Pourquoi reprendre le modèle du test de Bechdel pour évaluer les représentations des animaux dans les récits de fiction ? Julie Enckell s’entretient avec l’illustratrice alumna de la HEAD – Genève Fanny Vaucher, au sujet du test SIMBA qu’elle a élaboré en 2024, au croisement de sa pratique artistique et de son activisme antispéciste.

Et s'il existait un équivalent au test de Bechdel pour la représentation des animaux dans les œuvres de fiction ? L’autrice de bande dessinée suisse romande Fanny Vaucher fait une proposition dans ce sens.

La saturation médiatique, au niveau de la consommation comme de la production, fait surgir des questions inédites sur les relations non humaines, y compris avec nos très chers amis à poil. Les animaux de compagnie occupent la majeure partie de notre flux de médias sociaux, mais très peu de notre attention intellectuelle. Dans cet essai, Javier Fernández Contreras se penche sur leur histoire au sein de la vie domestique.

Instead of situating interior architecture as an all-encompassing field that designs the domestic cohabitation of animals and humans, the workshop given by architect, curator and scholar Lluís Alexandre Casanovas Blanco for students of the Master of Arts in Interior Architecture at HEAD – Geneva used this discipline to critically examine the validity of this historical phenomenon from a material and spatial perspective. Moving away from the notion of a “pet” – questioned by new theoretical approaches to the relationship between humans and non-humans – the workshop aimed to identify the traditional role that interior design plays in animal domestication within home interiors. Its ultimate goal is to envision non-hierarchical relations that diverge from the imposition of human-centric materials and spatial domestic standards onto other species.

Students collectively worked as a research unit on a graphic publication to be presented at the end of the workshop. After reading several key texts from fields such as the history of science, biology, and philosophy, they mapped out current discussions regarding the presence of animals in domestic spaces through clippings from general printed and online media written in the languages each student speaks. This included new legal frameworks, political polemics, the transformation of the home, the design of new architectural artifacts, etc. As a means of making the workshop’s discussions public, students’ ongoing research is published in ISSUE.

À quoi servent les livres ? Quelle place leur donner dans un cursus d’études en art et en design ? En quoi la fiction nourrit-elle l’essai critique, ou l’inverse ? Et d’ailleurs, en quoi la forme du livre ajoute-t-elle au sens du propos ? 
Le podcast Lundis-Livres relaie des moments d’échanges privilégiés avec des personnalités issues du champ de l’art ou du design, dont les ouvrages nourrissent et font avancer la pratique. 


À quoi servent les livres ? Quelle place leur donner dans un cursus d’études en art et en design ? En quoi la fiction nourrit-elle l’essai critique, ou l’inverse ? Et d’ailleurs, en quoi la forme du livre ajoute-t-elle au sens du propos ? 
Le podcast Lundis-Livres relaie des moments d’échanges privilégiés avec des personnalités issues du champ de l’art ou du design, dont les ouvrages nourrissent et font avancer la pratique. 


À quoi servent les livres ? Quelle place leur donner dans un cursus d’études en art et en design ? En quoi la fiction nourrit-elle l’essai critique, ou l’inverse ? Et d’ailleurs, en quoi la forme du livre ajoute-t-elle au sens du propos ? 
 Le podcast Lundis-Livres relaie des moments d’échanges privilégiés avec des personnalités issues du champ de l’art ou du design, dont les ouvrages nourrissent et font avancer la pratique. 


À quoi servent les livres ? Quelle place leur donner dans un cursus d’études en art et en design ? En quoi la fiction nourrit-elle l’essai critique, ou l’inverse ? Et d’ailleurs, en quoi la forme du livre ajoute-t-elle au sens du propos ? 
 Le podcast Lundis-Livres relaie des moments d’échanges privilégiés avec des personnalités issues du champ de l’art ou du design, dont les ouvrages nourrissent et font avancer la pratique.

L'artiste Chris Vargas est le fondateur et le directeur autoproclamé du Museum of Trans Hirstory & Art (MOTHA), un musée conceptuel à jamais « en construction ». Son travail exceptionnel a inspiré un projet de recherche et d'enseignement sur l'histoire de l'art trans en cours à la HEAD – Genève (HES-SO) sous la direction de Clovis Maillet avec la participation de Ruby Faure et Jay Jordan, et avec le soutien du Centre Maurice Chalumeau en Sciences des Sexualités (UNIGE).

En 2023, le MOTHA a co-publié Trans Hirstory in 99 Objects, une exploration fascinante de l'art, de l'activisme et de la résistance trans, avec des contributions de nombreux chercheur·euses et artistes, parmi lesquels C. Riley Snorton, Vaginal Davis, Jeanne Vaccaro, Leah DeVun. Couvrant plus de quatre siècles, ce volume rassemble une vaste sélection d'œuvres d'art et d'artefacts qui mettent en lumière l'histoire méconnue des communautés trans et non conformes de genre, afin de réfléchir à l'effacement historique et d'imaginer l'avenir trans.

Dans cette conférence introduite par Clovis Maillet, Chris Varga présente sa recherche et en discute avec Ruby Faure et le public.

À quoi servent les livres ? Quelle place leur donner dans un cursus d’études en art et en design ? En quoi la fiction nourrit-elle l’essai critique, ou l’inverse ? Et d’ailleurs, en quoi la forme du livre ajoute-t-elle au sens du propos ? Le podcast Lundis-Livres relaie des moments d’échanges privilégiés avec des personnalités issues du champ de l’art ou du design, dont les ouvrages nourrissent et font avancer la pratique. 

Partons du principe qu’au carrefour des cultures populaires et des technologies numériques a émergé progressivement un ensemble créatif plus ou moins bien circonscrit. Appelons-cela, faute de mieux, « cultures numériques ». Jeux vidéo (dans toute leur diversité, des visual novels à l’indy gaming, en passant par les jeux textuels ou sur smartphone), Machinima, Locative media, Tutoriels YouTube, Memes internet, Stories Instagram, Vidéos Tik Tok, Reaction GIFs... Dans tous ces cas, la notion de «montage» est éclairante pour décrire les pratiques créatives au coeur de ces formes aussi nouvelles que singulières. En s’appuyant sur un corpus d’exemples significatifs, l’objectif de cette intervention consiste à interroger la place du montage au sein de ces cultures numériques, et à nous demander lesquelles pourraient avoir une valeur prospective en-dehors de leur domaine.

Dans cette conférence donnée le 20 novembre 2024 dans le cadre du séminaire « Actualité de la recherche » organisé par la HEAD – Genève et l’UNIGE, Nicolas Nova présente son dernier ouvrage, Persistance du merveilleux. Le petit peuple de nos machines, paru aux éditions Premier Parallèle.

Le texte d’introduction à l’ouvrage A Show of Hands – qui est partagé ci-dessous dans sa version française – pose la question des rapports entre art et craft. Ce qui apparaît quand on adopte un point de vue historique, c’est que la condition d’émergence de la notion d’art en Occident réside dans sa séparation d’avec le craft. Dans un contexte colonial, cette disjonction a surtout permis de dénier aux pratiques des colonisés la possibilité d’accéder au statut d’œuvres d’art. Les essais réunis dans A Show of Hands donnent lieu à un tout autre regard porté sur le faire manuel et artisanal.

Cet article rend hommage à Nicolas Nova (1977-2024), professeur à la HEAD  – Genève (HES-SO), disparu lors d’un trek au Sultanat d’Oman. Pionnier d’études croisant design, sciences sociales et technologies, ce chercheur inclassable explorait les imaginaires, interstices et paradoxes des objets numériques, examinant les tensions entre standardisation industrielle et réappropriations situées. Co-fondateur du Near Future Laboratory, il renouvelait les récits technologiques par la pratique du "design fiction". Pédagogue inspirant, il transmettait à ses étudiants un regard ethnographique, transformant l’observation du quotidien en levier de création. Le soin accordé à la forme de ses ouvrages incarnait sa conviction de tracer des ponts entre recherche académique, pratiques de design et société civile. Riche d’une vingtaine d’ouvrages, Nicolas Nova laisse une œuvre protéiforme. Son absence prive la critique technologique d’une voix essentielle, lucide, curieuse et poétique.

A l’occasion de la parution de A Show of Hands. Crafting Concepts in Contemporary Art (Berlin, De Gruyter, 2025), Anthony Masure s’entretient avec Ileana Parvu, directrice de l’ouvrage, et Nadia Radwan, autrice d’un chapitre. Ileana Parvu contextualise le projet de recherche dont émane A Show of Hands, tandis que Nadia Radwan relève les enjeux politiques de son analyse décentrée et décoloniale de l’artisanat dans l’art contemporain.

La Collective Tools Project s’intéresse aux dynamiques de groupe. Quelles sont les modalités pouvant aider un collectif à fonctionner ? Comment permettre à chacune de trouver sa place, d’échanger et d’être capable de transmettre son savoir-faire de façon harmonieuse ? Ce sont les questions que le collectif La colle s’est posées dans le cadre d’un travail de recherche soutenu conjointement par La Manufacture – Haute école des arts de la scène, la compagnie Yan Duyvendak et la HEAD – Haute école d’art et de design de Genève (HES-SO).

Par une enquête auprès de quelques alumnae et enseignant·es du département de Communication Visuelle de la HEAD, Florence Marguerat discute du renouveau des pratiques artisanales dans le design à une époque où le numérique prend de plus en plus de place dans les métiers de création et où l’on s’interroge sur l’impact des intelligences artificielles.

À la fin des années 1980, parce qu’elles se connaissent et se font confiance, Nazli Madkour, artiste égyptienne active dans la scène culturelle, et Nawal El Saadawi, psychiatre, écrivaine et militante politique féministe, s’accordent pour publier un ouvrage qui revient et fait la lumière sur le rôle des femmes artistes en Égypte. La publication voit le jour en 1989 sous le titre Les Femmes égyptiennes et la créativité artistique [المرأة المصريةوالإبداع الفني]. En 1991, le département de l’information du gouvernement égyptien [State Information Service] commande une édition anglaise, Women and Art in Egypt. Dans un entretien avec Olivia Alexandra Fahmy, Nazli Madkour revient sur l'histoire de ces deux ouvrages.

Qu’est-ce que la puissance d’une femme qui entend des voix face aux autorités artistiques et politiques ? L’abbesse rhénane Hildegarde de Bingen (1098-1179) était une prophétesse visionnaire et « auditionnaire ». Sa musique est toujours chantée et sa voix traduite dans toutes les langues, jusque dans la revue féministe Heresies. Elle transmettait un message venu d’une autre dimension, attesté par des autorités masculines (des abbés et un pape). La médium genevoise Elise Müller (1861-1929), connue sous l’hétéronyme Hélène Smith, avait aussi des visions et entendait des voix, qui lui dictaient ses dessins et peintures de Mars, Ultra-Mars et de la Terre sainte. Elle transmettait des messages dont elle ne se disait pas l’autrice, contrôlés et mis en doute par de multiples autorités masculines. Ces deux artistes anachroniques, séparées de huit siècles, ont transmis leur voix dans les interstices des contrôles masculins, et des définitions de l’art et de la vision.

Quelle est la charge de l'archive sinon la mémoire elle-même? Pouvons-nous passer de la conception des archives comme des collections de données à une idée d'archive de désir, un réservoir de matériaux affectifs et d'opacités résistantes ? En établissant la Women's Audio Archive à Londres (1985-1991), j'avais en tête à la fois une collection et un lieu où les conversations enregistrées participeraient à développer une histoire des femmes dans la tradition médiatico-visuelle, qui par sa nature éphémère peut facilement être oubliée.

Pourquoi utiliser un médium sonore pour parler d'images ? Quel rôle social peut jouer le podcast ? Dans quelle mesure est-il un espace d'expression relativement libre et sécurisant pour porter un discours engagé ? Comment conserver et valoriser des archives sonores ? Sans prétendre apporter des solutions définitives à ces sujets complexes, cette intervention proposera des éléments de réponses et des pistes de réflexion.

Dans cet essai, les deux autrices discutent des méthodologies féministes de l’entretien en arts visuels. Adopter l’entretien pour obtenir des informations sur l’expérience des femmes en matière d’art, c’est axer la recherche sur les termes de la conversation et du langage. De cette approche découle une réflexion critique sur la dimension d’exclusion dans le vocabulaire utilisé, qui ne revêt pas le même sens selon qui parle. Si, pour la critique et l’histoire de l’art contemporain, l’entretien appartient à la catégorie des écrits d’artistes, l’approche féministe met davantage l’accent sur la voix et la prise de parole.

Dans la préface de sa collection d'entretiens enregistrés sur bande, Autoritratto (1969), Carla Lonzi défiait ses lecteurs·ices avec la question suivante : « S'il avait été possible d'enregistrer ce que les artistes disaient dans leurs conversations quotidiennes, aurions-nous encore besoin de lire les Vies de Vasari pour entrer en contact avec elles·eux ? » En convoquant un anachronisme technologique, Lonzi a mis en lumière la capacité même de l'enregistrement sonore à redéfinir la séparation entre histoire et expérience. En suivant son exemple, dans cette conférence, Francesco Ventrella s'inspire d'une série d'entretiens avec des artistes, de tableaux parlants et d'autres scénarios acoustiques pour explorer comment la résonance peut nous aider à repenser les limites de la représentation dans le discours de l'histoire de l'art.

ANOL1: The First Encounter est la première animation 3D de la série ANOL1 qui explore le riche tissu des créatures mythiques féminines d'Asie centrale, mettant en lumière leurs histoires non racontées dans un contexte décolonial. En s'appuyant sur le concept de la monstruosité féminine, l'animation vise à souligner les connexions intergénérationnelles et à renforcer les générations futures avec des récits oubliés.

Le podcast restitue l'essentiel d'une conversation que nous avons menée avec l'artiste d'origine polonaise Marysia Lewandowska en novembre 2023, à son studio à Londres. Cette conversation constitue le point de départ et la matrice du projet de recherche In Their Own Words. Tout en retraçant sa trajectoire d'artiste passée du bloc de l'Est à l'Angleterre capitaliste, Marysia Lewandowska évoque comment son usage de l'enregistreur lui a permis d'entrer en relation avec le monde de l'art occidental. De là est né son projet "auto-institué" des Women's Audio Archive, une archive de plus de 120 heures d'enregistrement aujourd'hui numérisée. Quel est le rôle d'une conversation d'artiste et quel statut l'histoire de l'art lui donne-t-elle ? Comment la diffuser ? L'archiver ? Faut-il l'éditer et, si oui, jusqu'à quel point ?  Ce podcast réunit l'essentiel des questions méthodologiques soulevées par ces échanges menés dans une perspective féministe.

Dans l’Italie des années 1960 et 1970 Carla Lonzi et Anne Marie Sauzeau Boetti, toutes les deux engagées dans le mouvement féministe, ont proposé de penser l’art à travers le dialogue entre les artistes et les générations d’artistes, au-delà des catégories esthétiques et des groupes établis. Elles ont contesté la verticalité des généalogies d’une histoire de l’art organisée en une succession de mouvements artistiques et grands artistes, dans une conception qui laissait de côté l’idéologie du chef-d’œuvre et du génie créateur. A partir d’exemples tirées du contexte italien, cette conférence proposera une réflexion sur les enjeux épistémiques et politiques d’une écriture sur l’art basée sur la relation, le dialogue et l’écoute.

Aude Fellay examine dans cet article les critiques du travail dans la mode et celui-ci plus largement, à l’aune du concept et de la demande d’un rejet du travail (« the refusal of work ») tel que formulé par la chercheuse américaine et militante anti-travail Kathi Weeks dans The Problem with Work: Feminism, Marxism Antiwork Politics, and Postwork Imaginaries (2011). Si les critiques du travail dans la mode ont produit jusqu’ici des élans réformateurs, s’en revendiquant parfois, le cadre conceptuel des imaginaires post-travail de Weeks permet un élan plus radical et à l’horizon, un monde plus désirable. Cet article s'inscrit dans le cadre du projet de recherche @fashion_colloquialism mené par l'autrice et Émilie Meldem à la HEAD — Genève (HES-SO).

Dans le cadre de la série de rencontres Mode Conversation organisée par le Master en Design Mode et accessoires de la HEAD — Genève (HES-SO), Lutz Huelle a dialogué avec Alice Bouleau, associée du cabinet de recrutement Sterling International, et le designer mode Felipe Oliveira Baptista du rôle d’un·e directeur·ice artistique aujourd’hui. Directeur·ice artistique est-il le seul poste désirable ? Quelles sont les alternatives ?

Could we learn to grieve without fetishizing our dead (human or more-than-human)? Could we spend more time with our dead without making them into “steps” in the advancement of other causes?

Cette contribution est le point de départ de la recherche nommée « Élaborer le bruit. Les identités en traduction », qu'Ève-Gabriel Chabanon mène dans le cadre d’une thèse par la pratique en art, inscrite simultanément à la Villa Arson à Nice et à l’Université Paris Cité. Elle explore l'oeuvre du poète Justin Chin, et ses traductions possibles.

À travers une méthodologie ancrée en histoire orale et l'analyse d'archives communautaire, cette communication se concentre sur les stratégies théâtrales développées par les activistes trans pour faire entendre leurs revendications en France. Elle centre l'analyse sur l'Existrans/ExisTransInter, le plus grand événement consacré à la visibilité trans en France. Alors que l'activisme centré sur la visibilité suscite de plus en plus de scepticisme parmi les activistes trans, cette communication soulève des questionnements clés sur le futur de l'ExisTransInter.

Liz Escalle-Dyachenko discute de trois pièces pour cordes des années 2010, de trois compositeurices trans et non binaires de musique contemporaine basé·exs aux États-Unis.

Cette conférence se concentre sur la façon dont la non-binarité, en tant qu'outil analytique, officie comme portail vers la reconsidération des conceptions dominantes de temporalité, de territorialité et de forme, en-dedans et au travers des différences sociales. En commençant par les représentations littéraires et médiatiques des monstres du Green Swamp et de l'Honey Island Swamp – des contes de marais qui ramènent le 18^ème et le 19^ème siècle au temps présent – cette présentation met en lumière la monstruosité de la fugitivité.

Centrales dans le récit qui est fait de nos vécus trans passés et actuels, les violences médicales structurent également la façon qu'a l'histoire trans d'être recueillie, construite et racontée, tant épistémologiquement que matériellement. À partir d'une expérience de chercheuse communautaire, de formatrice associative et de soignante, cette intervention illustre trois formes de violences imposées par l'institution médicale sur l'histoire trans ainsi que des trois pistes de réponse pour construire un récit qui ne tombe ni dans la surmédicalisation ni dans l'effacement de la matérialité des corps trans. Déjouer les forces d'attraction et de répulsion imposées par ce tropisme médical permet alors la transmission d'une histoire trans elle-même source de soin.

Imagine yourself in a photography museum.  

Un extrait du mémoire de master en CCC de Jazil Santschi, "Transmuting Black Sonic Entities. The Necessary Voices of a Culture in the Making".

Peut-on faire de l’histoire trans avant l’émergence de récits à la première personne, et avant la conceptualisation même des questions trans ? L’hypothèse que cette communication développe est que l’étude des transitions de genre prémodernes peut nous apprendre d’autres manières d’envisager le genre qui complexifient notre perception actuelle, et ouvre des perspectives pour les futurs trans.

Invisibilisation, effacement, dépossession, les formes d’incomplétude qui affectent les archives trans* sont nombreuses. L’écriture d’une histoire trans* compensatrice ou réparatrice s’impose souvent comme solution. Mais d’autres stratégies et pratiques d’archives telles que la resynchronisation des corps avec les archives (l’archive vivante) et le fait de tirer parti de l’itérabilité de l’archive ouvrent un espace de liberté et de rencontre dans les archives qui est proportionnel au désir - grand - qu’elles suscitent en nous.

Dans cette contribution, Nayansaku Mufwankolo discute de sa pratique d'écriture, la poésie d'autofiction afrocosmique, et lit l'un de ses poèmes.

L’histoire trans pousse dans les interstices et les entre-deux des institutions, des disciplines et de plusieurs pays et apparaît comme un espace intellectuel qui mêle une grande diversité de formes d’écritures, de matériaux, de contextes et de positionnements. Le programme de ce colloque témoigne de cette richesse indisciplinée, en faisant dialoguer l’histoire de l’art, l’histoire politique, militante et communautaire, l’histoire médiévale et contemporaine, les théories noires et décoloniales, les réflexions sur les archives ou encore les recherches créatives.

Cette contribution s’intéresse à la réalité des vies des enfants trans, aux contextes sociaux dans lesquelles iels évoluent, à leurs jeux et à leurs émotions ; mais également aux luttes des enfants trans, aux stratégies et espaces d’autonomie qu’iels déploient pour faire face aux violences vécues.

Le XIII^e siècle occidental donne naissance au récit légendaire d’un pape parturiant, celui de la « papesse » Jeanne. Ce récit, bien qu’il soit au cœur d'une riche production littéraire, iconographique et historiographique, du XIII^e siècle à nos jours, n’a été considéré qu’à travers une grille de lecture d’un seul possible jusqu’ici, le possible cis, celui de la seule congruence avec son sexe d’assignation : Jeanne, une femme, se déguise en autre, en homme, et par là, se travestit et se cache. Ce possible s’avère peu à même de rendre compte à lui seul de l’étendue des possibles médiévaux : Jeanne est aussi Jean, et Jean, lui, est possiblement un homme trans.

Cette intervention présente les résultats provisoires d’une recherche en cours, réalisée dans le cadre d’un doctorat sur les mobilisations pour la santé des personnes trans en France, de la fin des années 1970 à la fin des années 2010.

En Guadeloupe, après la Seconde Guerre mondiale, une communauté d'individus de genre non conformes a été l'actrice essentielle de préservation et de transmission de la culture musicale traditionnelle à tambour. Dans cette présentation, Michaëla Danjé a analysé quelques modalités de cet effacement et sa disparition historiographique.

Dans Black On Both Sides: A Racial History of Trans Identity [Noir·es des deux côtés : une histoire raciale de l'identité trans], C. Riley Snorton parcourt l’historiographie trans états-unienne au prisme des enjeux raciaux : comment le genre et la race interfèrent et s’entrelacent dans les vies trans et noires ? comment des concepts comme ceux de passing ou de fugitivité de genre circulent entre les vies qui se tiennent au bord du monde esclavagiste-raciste états-unien et celles qui se tiennent au bord du patriarcat et du cissexisme ? ISSUE propose une traduction inédite d'un chapitre de l'ouvrage de Snorton par Mabeuko Oberty.

Depuis plus d’une décennie, le terme « recherche-création » circule de plus en plus largement pour désigner des travaux relevant de fertilisations croisées entre investigations universitaires et expérimentations artistiques. Derrière les polémiques entre les voix qui y annoncent un renouveau de l’université et celles qui y dénoncent une imposture pseudo-artistique et pseudo-scientifique, des thèses de doctorats commencent à arriver en nombre significatif au stade de la soutenance. Que nous montrent ces soutenances ? Et que nous disent-elles de la recherche à l’âge de l’Anthropocène ?

Le département cinéma de la HEAD – Genève a invité Khalik Allah à donner un atelier lors de la « Semaine de tous les possibles » en février 2024. Cinéaste et photographe de renom (voir sa biographie sur le site du département cinéma), Khalik Allah est aussi un communicateur chaleureux, quelqu’un qui a à cœur de partager sa démarche et ses réflexions avec les publics et les étudiant·exs. Nous avons discuté avec lui de son travail artistique et de l’atelier qu’il a donné aux étudiant·exs de différents départements.

De la métaphore fondatrice du nuage (cloud) aux boutons verts en passant par l’émoji bleu du pouce levé, nos interactions numériques incarnent, à l’instar des discours dominants sur le sujet, un programme capitaliste bien précis : celui d’un fétichisme de la marchandise technologique que l’on se contente de consommer puis de mettre au rebut sans comprendre son fonctionnement. Par ailleurs, ces interfaces et métaphores cachent les assemblages humains, matériels et environnementaux complexes qui, au fondement-même de nos processus numériques, les pilotent et les optimisent. À partir de ce constat, l'article s'adresse aux artistes et aux concepteur·rices d'interaction désireux·euses de s'engager de manière critique dans la technologie et ses « boîtes noires » ; il souligne l'importance d’un rapprochement du design, des sciences sociales et du travail ethnographique de terrain et, dans cette optique, postule que les designers peuvent, d’abord, mieux comprendre le cycle de vie et les infrastructures de nos objets électroniques puis, ensuite, créer des artefacts pour critiquer ou nuancer ces récits et croyances dominants autour de « l’immatérialité » numérique.

Réalisée en collaboration avec Victor Galvão, qui en a également créé le son, cette vidéo de Mabe Bethônico découle d’un article de Lee Mackinnon intitulé « Technologies of Romance: Mineralogy: a digital account », publié dans le Science Museum Group Journal en 2019 et reconstruit pour l’occasion à l'aide de la technique du cut-up. Difficilement saisissables, ses parties textuelles se rapportent rythmiquement à l'environnement de travail des sites d'extraction d'où proviennent les principaux minéraux utilisés dans nos appareils électroniques ainsi qu'aux grandes surfaces de vente spécialisées dans ce domaine. Mabe Bethônico en a filmé les images à Minas Gerais et en Suisse, mais la vidéo comprend également du contenu provenant de son projet « Museum of Public Concerns », une archive visuelle compilée à partir de multiples sources, avec la participation de différent·es contributeur·rices. Les documents en questions comprennent notamment un rapport des services d’incendie sur la catastrophe de Brumadinho ; des images produites par des membres de la communauté Maxakali du Minas Gerais ; ou encore de photos prises par des inspecteur·rices du ministère brésilien du travail et de l'emploi. Le récit invite à réfléchir aux ramifications environnementales et sociales des dépendances technologiques et rappelle ainsi les coûts d’une innovation toujours plus axée sur le pratique.

Il existe aujourd'hui un plan où la bataille des images fait rage, un plan infra-iconique où se détermine largement le sort des images et de celles et ceux qui les regardent, mais aussi des choses qui les regardent, entités non humaines de vision artificielle. Il s’agit du plan des infrastructures technologiques computationnelles et des normes qui déterminent leur fonctionnement ; celui du codage de la réalité en information, de la numérisation et du stockage des données. C’est dans le lieu de la technique, lieu double de l’infrastructure matérielle et du code informatique, que se joue le sort de nos libertés et de nos imaginaires, et celui des images avec eux.

Un tiers de l'approvisionnement mondial en étain provient d'extractions sur l'île de Bangka en Indonésie. Il s’agit du minerai le plus concerné par les développements technologiques à venir, notamment ceux de l'intelligence artificielle et des énergies renouvelables. Natascha est une IA solaire qui, dans le court-métrage de Riar Rizaldi Kasiterit, retrace sa généalogie et la vérité de son origine, de la liquidité du capital à la dynamique du travail. Avec sa voix féminisée – comme l’est souvent celle des assistant·es vocaux·ales produit·es par des entreprises technologiques à partir de l’IA –, Natasha raconte l'émergence de l'étain sur l'île de Bangka ainsi que sa propre existence à iel, du point de vue de l'anthropologie tropicale de la nature, de la théorie de la valeur, de la philosophie du temps, des mutations génétiques, de la géopolitique et de l'automatisation. Kasiterit peut être visionné sur le site web d'Issue de la mi-juillet à la mi-août 2024, accompagné d'un extrait de la recherche doctorale de Riar Rizaldi.

L'exposition AIAIA Sweatshop (qui s'est tenue du 17 mai au 21 juin 2024 à l'artist-run space àDuplex, à Genève) a exploré par les moyens de l'art, derrière les résonances médiatiques de l'acronyme IA/AI, certains paradoxes des dimensions matérielles de l'intelligence artificielle. En une série de "salles", étaient mis en situation et en question ses rapports à l'histoire, aux machines, au corps, aux identités et à la technopolitique, loin des images éthérées, fascinantes ou effrayantes, d'une nouvelle puissance technologique autant immatérielle qu'inexorable. Cette exposition est née d'une collaboration entre le séminaire d'Humanités numériques de Béatrice Joyeux-Prunel à l'Université de Genève et du séminaire de Work.Master de David Zerbib à la HEAD.

Pourquoi le futur se rêve tracé, quadrillé et en pilotage automatique par la culture de la haute-technologie ? Comment la technologie parvient-elle à se présenter comme un marqueur de civilisation affirmant la suprématie de certains corps sur d’autres corps, et à renforcer un ordre symbolique et social qui sépare et immunise l’être humain des déchets, gremlins, aliens, inhumain·exs et autres corps indésirables de « l’humain civilisé » ? Ces 40 dernières années, des voix se sont élevées pour remettre en question le grand récit de la technologie occidentale. Ces voix demandent : qui compte comme agent de la technologie, comme agent humain, et conséquemment comme agent du futur ? C’est à partir de ces zones de contestations, dont il nous faut remarquer le retour aujourd’hui, que cet article cherche à décrypter le rêve d’une technogouvernance safe, propre, objective et rationnelle, qui se révèle antiterreste, excrémentale, aberrante et sexuellement agressive.

Le projet Si (1-bit computer) réalisé par Raphaëlle Kerbrat dans le cadre de sa thèse « Le poids des données, paradoxes matériels et sensibles du numérique » à l’École des Arts Décoratifs de Paris, propose de rendre sensible l’empreinte physique d’un processus computationnel. Il repose sur la décomposition physique d’un système binaire et s’appuie sur la manipulation du silicium, un matériau semi-conducteur utilisé pour la fabrication des transistors, base de l’électronique numérique. Le dispositif opère par agrandissement d’échelles physiques et temporelles, en étirant une opération logique sur plusieurs secondes et en amplifiant la taille initiale des composants. La matière est un élément central de ce projet, qui dévoile le fonctionnement de nos appareils numériques d’une manière à la fois archaïque et poétique.

Cette contribution envisage le numérique par le prisme du rebut et de ses potentialités. Elle repose sur un cas d’étude issu d’une enquête ethnographique que Bloch mène avec Thibault Le Page et Nicolas Nova depuis 2022 à la HEAD – Genève (HES-SO). Elle a notamment pour but de rendre visible différentes formes de réappropriation et de transformation qu’il est possible d’effectuer avec des éléments provenant des équipements numériques tels que les smartphones, ordinateurs, écouteurs, objets connectés etc., ou avec leurs composants.

Dans les sièges d’une salle de cinéma, Julie Enckell s’entretient avec Anita Hugi, responsable du Département Cinéma à la HEAD depuis septembre 2023. Celle-ci revient sur son parcours de cinéphile, son intérêt pour l’histoire, et ses multiples casquettes professionnelles de réalisatrice, programmatrice, directrice de festival et professeure. Durant la discussion se dessinent les lignes de force de ses multiples engagements : d’un travail au long cours sur la visibilisation des femmes artistes et cinéastes suisses aux réflexions sur les formes de participation des spectateur·ices, en passant par la défense d’une relève du cinéma suisse qui trace des voies inédites et enthousiasmantes.

Le court-métrage Mawtini, premier shōnen suisse signé par la réalisatrice Tabarak Allah Abbas, film avec lequel elle est ressortie diplômée du Département Cinéma de la HEAD – Genève en 2023, a convaincu ses premier·ères spectateur·ices. Ce bijou d'animation a remporté plusieurs prix, dont le prix Art Humanité de la Croix-Rouge et le prix Opening Scenes lors de la dernière édition du festival documentaire Visions du Réel. Fusion entre l’animation japonaise et l’univers traditionnel irakien, le film nous plonge au cœur du Bagdad des années 90, dans une réalité où les êtres humains sont envahis par des robots tueurs. Dans ce contexte de guerre, un jeune couple et leur première née décident d’adopter les caractéristiques de ces machines froides et efficaces pour quitter la ville.

L'article propose une réflexion à partir de la chanson Voyage Voyage (Desireless, 1987), qui fonctionne d'après l'auteur de façon performative : il s’agit moins de nous convaincre d’explorer un jour le monde que de nous permettre d’effectuer avec la chanteuse un voyage virtuel qui dure le temps de la chanson.

L'autrice propose ici une réflexion sur les « poétiques » du tour du monde, en essayant de montrer que La Terre est ronde d’Orelsan (2011) se situe dans une longue tradition à la fois littéraire et touristique qui produit un enchantement géographique du monde.

Raphaël Pieroni s'entretient avec Quentin Pilet, du label Bongo Joe Records, autour des multiples liens entre musique et géographie.

Exposer la musique populaire soulève des questions d’ordre méthodologique et muséographique, que l’auteur explore à travers l’exemple de l’exposition « Voyage enchanté. Chansons et imaginaires géographiques » présentée dans la salle d’exposition de l’Université de Genève en 2024.

Cet article restitue le travail pédagogique mené autour des mèmes dans le cours d’Analyse de l’image destiné aux étudiant·es de première année du Bachelor Communication Visuelle.

Anthony Masure et Guillaume Helleu présentent leur projet de recherche portant sur l'utilisation des plateformes et des cultures du jeu vidéo pour explorer les sciences humaines et sociales.

Une démonstration pratique des promesses et des pièges de la narration générée de manière procédurale.

Est-il possible de réaliser un film documentaire entièrement tourné dans le moteur graphique d'un jeu vidéo ? Comment, à travers le cinéma, raconter la rencontre virtuelle, les émotions et les situations qu'elle provoque ?

Cette conférence offre des exemples et des idées d'une pionnière dans le domaine de la narration procédurale et interactive.

Dans sa conférence, Léa Schönfelder discute des manières de créer un petit studio dirigé par des femmes, qui développe des jeux vidéo avec une perspective indépendante marquée.

Dans sa conférence, Leslie Astier explique comment tirer parti des soins communautaires et collectifs pour créer de nouveaux types d’histoires interactives.

À travers plusieurs extraits de leurs films, Caroline Poggi et Jonathan Vinel évoquent l’influence des jeux vidéo sur leur pratique.

Un bref aperçu de projets utilisant l'intelligence artificielle pour raconter des histoires de manière inattendue.

Un dialogue avec François Chaignaud, chorégraphe et interprète, mené par Emma Bigé, philosophe et chorégraphe, et Magali Le Mens, historienne d’art, co-organisé par la HEAD – Genève et le Centre Maurice Chalumeau en sciences des sexualités de l’Université de Genève (CMCSS), le 11 décembre 2023

Dans le cadre de leur recherche croisée entre design et arts de la scène, le duo de chercheur·euses Isis Fahmy et Benoît Renaudin a questionné la danseuse et chorégraphe DD Dorvillier et l’artiste et designer Douglas E. Stanley sur leur pratique créative autour des cartes, du jeu et de la performance.

The Third Day est une mini-série composée de six épisodes. Un septième épisode, Autumn, s’inscrit à la jonction entre les deux parties. Il a été tourné en direct le 3 octobre 2020 durant une période continue de douze heures sous la forme d’un unique plan-séquence. La diffusion de cet épisode s’est faite en Facebook Live. La présente contribution a pour ambition d’interroger l’inventivité formelle d’Autumn. En quoi cette expérience d’hybridation audiovisuelle a-t-elle été rendue possible dans le cadre des formats télévisuels contemporains ? Comment s’inscrit-elle dans les processus de lecture participative en ligne ? De quelle façon cet épisode renouvelle-t-il les questionnements relatifs à la façon de filmer l’espace de la fiction ?

Cette intervention propose une exploration du corpus de mini-séries « de » Nicole Kidman, c’est-à-dire qu’elle produit et/ou interprète : Big Little Lies (2017-2019), The Undoing (2020), Nine Perfect Strangers (2021)... Il s’agira d’analyser les fonctions de la mini-série pour la star (une production de prestige qui est une alternative au long-métrage de cinéma, et qui lui permet de se repositionner comme autrice), en prenant en compte les spécificités économiques et formelles qui distinguent ces étonnants star vehicles qui portent la « marque Kidman ».

La notion de mini-série apparaît au Japon comme le format standard des dramas télévisiuels. Composées le plus souvent d’une dizaine d’épisodes, les séries sont des récits fermés ou l’intrigue posée à l’initiale trouve son dénouement dans l’épisode de fin, sans ouverture possible et donc sans suite. S’appuyant sur les séries Dragon Zakura (ドラゴン桜, 2005) et Kekkon dekinai Otoko (結婚できない男, L’Homme qui ne pouvait pas se marier, 2006) cette communication analyse des modalités structurelles et esthétiques des dramas japonais, de leur évolution dans le temps et du lien qui existe entre dramas et fil de cinéma.

Dès la première séquence de Normal People, la dynamique des liaisons et déliaisons entre Marianne et Connell, qui constitue la substance narrative de la série, structure la mise en scène : dans un des couloirs de leur lycée, Marianne et Connell partagent le même espace (liaison), mais ne s’adressent pas la parole (déliaison), tout en se lançant des regards furtifs, chacun étant attiré et troublé par la présence de l’autre (liaison), en feignant néanmoins l’indifférence (déliaison). Ainsi iront leurs amours pendant les 4 ans de vie que couvre la série : ils forment le tissu d’une chronique sentimentale faite d’attirance magnétique et de désir incommensurable, autant que de blessures, de déceptions et de ruptures déchirantes. Liaisons et déliaisons semble représenter la matrice de la moindre de leur parole et du plus anodin de leur comportement, comme du plus sublime ou du plus indigne de leurs agissements. Ce sont aussi les choix esthétiques de la série qui figurent ce jeu incessant de liaisons et de déliaisons. Mais, on envisagera surtout ces liaisons et déliaisons au prisme du format de cette mini-série. Car la brièveté des épisodes, avec leur écriture elliptique ou leur temporalité dilatée, n’est-elle pas un moyen de rendre sensible l’enchaînement chaotique de ces liaisons et déliaisons ?

Cette présentation examine l'histoire et la pratique de la conversion de longs métrages en mini-séries, qui a récemment été relancée par diverses plateformes de streaming comme moyen d'augmenter l'audience et de générer plus de contenu. On analyse les effets de cette pratique en comparant différentes versions de plusieurs exemples représentatifs, et se concentrera principalement sur la façon dont le processus de re-montage génère une nouvelle structure narrative et une focalisation narrative plus dispersée qui modifie notre compréhension antérieure des films en question.

Dans cette communication, nous proposons une analyse du mode de production et de diffusions des mini-séries, adaptées de roman, produites par les sociétés de production de l’actrice et productrice Reese Witherspoon, Pacific Standard et Hello Sunshine. Nous nous intéresserons tout particulièrement au lien entre le Reese’s Book Club, le club de lecture de Reese Witherspoon et les mini-séries Big Littles Lies (2017 et 2019) et Little Fire Everywhere (2020).

La pratique sérielle met en jeu une réception souvent orientée autour du suspense. Mais Top of the Lake particularise son traitement du suspense par le biais de ralentissements ménagés dans le récit, constituant un frein à la progression de l’intrigue. Ces ralentissements sont d’autant plus sensibles dans une série dont la durée est limitée, et l’on s’interrogera sur la manière dont ils déjouent l’illusion d’un récit prioritairement centré sur la fabula. Nous aborderons ensuite la question de l’esthétique sérielle. Top of the Lake revient de façon récurrente sur des séquences qui concentrent le mystère dans l’intrigue, et ces retours déterminent des effets spécifiques sur le spectateur.

Avec We Own This City (2022), David Simon retrouve Baltimore, sa ville de prédilection. En se basant sur l’enquête à peine romancée de Justin Fenton, il propose une mini-série aussi sèche dans son récit qu’implacable dans son réquisitoire contre les violences perpétrées par le BPD (Baltimore Police Department). Ce qui nous intéressera ici, c’est le passage du temps long des cinq saisons de The Wire au temps court de We Own This City. Qu’est-ce que cela induit en termes de récit, de focalisation ? Quelle réécriture de l’enquête de Justin Fenton cela a-t-il nécessité ? Quelle temporalité, particulièrement fragmentée, met en œuvre cette saison unique ? C’est à ces questions que nous tenterons de répondre dans notre conférence.

Produite par Channel 4, The Red Riding Trilogy (2009) constitue un objet audiovisuel pour le moins singulier. D’une part, chaque volet de la trilogie vise à offrir au regard du spectateur les apparences d’une autonomie. D’autre part et en sens inverse, cette fiction en trois temps met à contribution une connectique narrative dont le but est de produire, entre les différents segments, de discrets et subtils effets de micro-sérialité. L’objet de la présente communication est d’étudier au plus près cette dialectique singulière entre autonomie et interdépendance, notamment en tant qu’elle revient à brouiller les frontières établies entre film de cinéma et mini-série.

Cette communication examine les mini-séries de documentaires sur les true crimes Making a Murderer et The Staircase dans le contexte de leur structure transmédia à effet “boule de neige“. Si leur succès repose en partie sur les caractéristiques de diffusion des plateformes de streaming, elles doivent également beaucoup aux activités communautaires de fans dévoué·es sur une variété de plateformes tierces et de réseaux de médias sociaux. Par conséquent, la clôture narrative des mini-séries et des séries limitées sur le thème du true crime offre simplement la possibilité d'autres rencontres narratives par le biais de la sérialité transmédia générée par les utilisateurs·rices. Cette structure transmédia amateur incite à reconsidérer les forces qui affaiblissent les frontières de la mini-série en streaming à l'ère numérique.

Cette intervention s’intéresse à la fabrication des mini-séries françaises. Pourquoi créer une mini-série plutôt qu’une série ou un long-métrage ? Est-ce le sujet qui impose le format ? Est-ce plutôt des stratégies productionnelles et financières qui sous-tendent un tel choix ? Comment écrit-on une mini-série ? Écrit-on aussi à plusieurs ? L’oralité est-elle aussi présente dans le processus créatif que dans celui d’une série ? etc. En s’appuyant sur des sources primaires (documents scénaristiques, entretiens, etc.), il s’agit de mener à la fois une analyse pragmatique qui permette de mieux cerner les gestes d’écriture d’une mini-série et d’en comprendre les raisons mais aussi de proposer une analyse socio-économique qui interroge le choix d’un tel format.

La mini-série suit les soignant-es de l'hôpital Memorial (Nouvelle-Orléans) pendant et après le passage de l'ouragan Katrina. La mini-série emprunte aux films catastrophe et aux séries médicales au long cours. Sur un plan éthique, la mini-série déploie une puissance nivelante (puisque tous les personnages sont de passage pour une durée limitée) mais empêche une exploration minutieuse des dysfonctionnements et discriminations systémiques qui ont mené à la catastrophe. Entre long film et série, fiction et documentaire, Five Days at Memorial ne met-elle pas en scène une impuissance de la mini-série à agir sur le monde ?

En 2020, le cinéaste-plasticien britannique Steve McQueen a réuni sous le nom de Small Axe une collection de cinq films autonomes qui ont pour éléments communs un lieu (Londres, quartier Brixton), une communauté en construction (issue de l’immigration jamaïcaine), une époque (les années 70-80), l’essor d’un genre musical (le reggae), et surtout l’omniprésence d’un racisme systémique à l’encontre de cette communauté. Les extensions dans le temps des histoires qui les sous-tendent sont également diverses, allant d’une seule nuit à une période de 10 ans. Si cette anthology mini-serie fut produite à destination des chaînes de TV, certains des films qui la composent ont été toutefois diffusés séparément (New York Film Festival 2020, Festival de Cannes 2020). Quel type de sérialité, diffuse et minimale, la mini-série Small Axe offre-t-elle ?

"Watching Watchmen" (HBO, 2019), entend analyser comment la série télévisée limitée de Damon Lindelof pourrait être considérée comme un exemple d’adaptation transmedia réussie, agissant comme un pont vers une bande dessinée bien connue tout en créant une entité narrative qui tient complètement par elle-même. Comme la série offre une suite à la bande dessinée originale, créant ainsi une expérience narrative transmédia pour les lecteurs·rices/spectateurs·rices, elle met également à jour rétroactivement une partie du contenu original qui a été intentionnellement laissé dans l'incertitude dans la bande dessinée originale et permet à la série de se façonner elle-même dans un arc narratif tout à fait nouveau. Dans cet espace de négociation entre le récit original et la série, l'adaptation prend véritablement forme, car les scénaristes ont adapté aux maux de l'Amérique contemporaine ce qui avait fait la pertinence de Watchmen lors de sa sortie originale.

Je souhaite écrire sur ma pédagogie, qui est basée sur la performance, en relation avec une recherche textuelle plus explicitement politique. Ceci afin de mettre en évidence d'importantes tensions issues de la pratique, et de pointer quelque chose sur les relations entre savoir et enseigner dans notre monde en mutation.

Dans l’art contemporain, un secteur professionnel basé sur l’économie de marché globalisée, et où j’ai travaillé pendant plus de vingt ans comme chargée de production, commissaire d’exposition, puis directrice, principalement en institutions publiques, la conscience écologique n’a guidé mes choix que très tardivement. La priorité était généralement donnée à la production du projet de l’artiste, à sa diffusion et à sa transmission, sans que le paradigme écologique n’interfère, ou si peu, dans la liberté de créer et de programmer.

En tant qu'artiste travaillant de manière collaborative, ma pratique artistique a activé des actions dans des contextes publics, tandis que le fait de travailler dans des universités a permis de payer mon salaire et de soutenir ma pratique artistique grâce à des subventions de recherche. En 2012, pour faire face à la crise socio-écologique, j'ai introduit ma pratique artistique à l'Université des Arts de Londres (UAL) où je travaille. En faisant des interventions conceptuelles, je me suis heurté à la séparation entre le discours académique ou artistique, et les pratiques de l’administration de l'université.

Si vous lisez ce texte sur un écran d'ordinateur, il est possible que vos yeux s'assèchent. L'exposition prolongée à des écrans électroniques lumineux fait que nous clignons moins des yeux et que la lubrification se réduit, ce qui peut entraîner un état connu sous le nom de « sécheresse oculaire », provoquant une gêne et affectant gravement notre vision. Alors que nos globes oculaires se déshydratent devant les écrans, on estime qu'environ 33% du globe terrestre subit actuellement des processus d'aridification. Outre le réchauffement climatique, la cause la plus immédiate de l'aridification dans le monde est l'utilisation inappropriée des terres par l'élevage et l'agriculture conventionnels.

Le capitalisme cognitif d’aujourd’hui fonctionne sur la logique du séparatisme, qui exige l’auto-marchandisation et l’auto-représentation : une logique de l’extériorité qui, comme nous le savons, est également inscrite, par exemple, par les médias sociaux. De même, la consommation omniprésente des médias, la notion de spectateur·rice·x, l’observation, le statut de témoin et le regard extérieur sont des qualités dont la société actuelle est abondamment saturée, et qui contribuent aux efforts des acteurs·rices·x du capitalisme tardif cognitif et de surveillance dans le construction d’hyper-individualisme. La sensation de séparation et l’apathie sont des états émotionnels qui manipulent et éloignent les sujets de leurs propres efforts sociaux et expressifs.

Comment pouvons-nous évoluer vers un désir partagé de la façon dont nous aimerions vivre ? Comment agir afin d’améliorer notre propre vie ou situation, tout en servant une approche collective ? Ce sont des questions qui doivent être abordées dans chaque cadre de vie – en ville comme ailleurs.

La question posée en titre de cet article n’a rien de rhétorique. En effet, seule une petite minorité des diplômé·es en arts visuels de la HEAD – Genève poursuit une carrière d’artiste passant par des expositions en galeries et en institutions publiques. L’écrasante majorité opte pour des parcours moins fléchés ; certain·es inventent même leur profession. Avec l’intention de mieux valoriser et soutenir la richesse de ces trajectoires où s’expriment des formes de poésie et un désir d’autonomie cultivés pendant les études, le département Arts visuels a invité au printemps 2023 quelques alumni·ae à raconter leur parcours professionnel, dont nous publions des extraits. Récits d’un créateur de masques pour le théâtre, d’une cinéaste et d’un « artiste-cueilleur ».

Le FBI a surveillé pendant des années les activités du couple Eslanda et Paul Robeson engagé dans la lutte pour les droits civiques et sympathisant·es communistes aux États-Unis. L’artiste Steve McQueen a rendu cette surveillance visible à travers une œuvre qui combine le défilement pendant plus de douze heures des documents d’archive expurgés d’informations sensibles du bureau d’enquête et des enregistrements sonores. Dans le cadre du projet de recherche FNS et HEAD – Genève « Decolonizing Socialism. Entangled Internationalism », Doreen Mende (HEAD – Genève, HES-SO) s’est entretenue avec l’artiste au sujet de cette œuvre et de ces figures intellectuelles et militantes qui ont contribué au panafricanisme ainsi qu’aux échanges entre Est et Ouest pendant la guerre froide.

Le septième art est « l’art du fantôme » disait Jacques Derrida. C’est ce que démontre dans son brillant essai L’attrait du fantôme (2019), co-écrit avec Erik Zernik, la professeur d’esthétique aux Beaux-arts de Paris Clélia Zernik. Selon l’autrice, le spectre et le spectral nous sont nécessaires, car ils apportent un éclairage fondamental sur la co-présence du visible et de l’invisible. Organisé ce printemps pour les étudiant·exs en première année Cinéma de la HEAD – Genève, son workshop a permis de lever le voile sur cette fantomachie du septième art, d’explorer comment les spectres apparaissent à l’écran, mais également comment l'image en mouvement – plus encore que la photographie – est ontologiquement fantomatique. Entretien.

Ce texte propose une étude iconographique de la figure de l’utilisatrice d’ordinateur à partir de brochures publicitaires de la deuxième moitié du XX^e siècle. Quelles situations fictives ces photographies commerciales représentent-elles ? Et surtout quels rôles de genre définissent-elles pour les femmes ? Par l’étude des images, le texte soutient l’hypothèse que le boom de l’informatique personnelle et la naissance du concept d’« utilisateur » dans les années 1980 ont conduit à déconstruire l’image de l’ordinateur comme machine féminine.

S’appuyant sur son approche climaticiste, l’architecte et initiateur de ce programme de conférences Philippe Rahm, conclut ce cycle en rappelant les défis actuels pour la création. Il insiste sur l’importance de prendre en compte le réchauffement climatique dans la culture et de s’organiser pour l’estomper en donnant la priorité à un cadre de pensée et d'action matérielle et pratique. Réengager le principe dialectique du matérialisme historique l’amène à imaginer le scénario, peut être inévitable, d’un style culturel de l’anthropocène, où les films seraient tournés à la bougie, afin que les projecteurs consomment moins d’électricité lors des séances, où la danse contemporaine serait moins acrobatique afin de limiter la consommation en nourriture des performeur·euses, et où les designers et architectes inventeraient des objets aux composants qui limitent les pertes de chaleur en hiver et nous maintiennent au frais en été.

Il y a près de vingt ans, des organisations aussi diverses que le WWF ou le Forum économique mondial de Davos faisaient la promotion du numérique comme solution pour régler la crise climatique. Cet optimisme technologique s’est nuancé ces dernières années en raison de la prise de conscience de l’impact environnemental du secteur. Dans cette conférence, Gauthier Roussilhe, chercheur et consultant spécialisé dans les enjeux environnementaux de la numérisation, présente un état des lieux des apports positifs et négatifs du numérique. Formé en tant que designer, il s’appuie non seulement sur des études scientifiques mais aussi sur des créations qui matérialisent l’empreinte carbone du numérique.

Les curatrices Yasmin Afschar et Elise Lammer sont à l’origine du manifeste No Emission No Exploitation qui vise à inscrire dans la production d’art et d’exposition une approche découplée de la consommation d’énergie fossile tout en favorisant la justice sociale. Leur initiative cherche à nourrir le dialogue avec les artistes autour de ces problématiques. Elles s’associent pour cette conférence à l’artiste Vanessa Billy, dont le travail de sculpture et d’installation s’inscrit dans une démarche très mesurée envers la production, à travers des principes de ré-usage, d’envois d’instructions à distance ou de sélection de matériaux naturels replacés dans leur lieu d’origine après une exposition temporaire.

Dans son récent film Follow the Water (2022), Pauline Julier s’est intéressée au désert d’Atacama au Chili. Ce territoire, le plus sec de notre planète, héberge d’énormes mines de lithium, un métal nécessaire aux batteries électriques. Il est aussi un terrain d’exploration pour les scientifiques de la NASA qui y trouvent un analogue de sol martien. Par l’usage de plusieurs écrans, l’artiste mêle les perspectives et tente de décrire les relations entre les différents éléments propres à ce lieu, reliés entre eux par la question de l’eau. Dans cette Talking Head, elle revient sur quelques-unes de ses productions audiovisuelles marquées par la question environnementale et le désir d’esquisser de nouveaux imaginaires reconnectés au monde. Selon elle, les récits dominants des médias et des blockbusters reflètent une réalité factice en racontant des histoires hors du monde : des récits climatisés.

Faisant le constat des limites du discours scientifique qui, en l’absence d’un récit porteur, ne parvient pas à fédérer les populations autour du défi commun de la sauvegarde du vivant, la designer et artiste Marie-Sarah Adénis développe un travail hybride entre cosmologie et cosmogonie. Ses projets se concentrent sur les échelles de l’ADN et des cellules qu’elle met en scène dans des représentations où l’histoire du vivant se déploie sous des formes narratives ou mythologiques. En marge de cette pratique de fabuliste contemporaine, l’ancienne chercheuse en neurosciences mène des expériences avec des bactéries afin de développer des pigments écologiques. Dans cette conférence, elle insiste sur la dimension centrale du storytelling dans notre monde en « crise de sensibilité ».

Marque connue pour ses chaussures confortables aux couleurs vives et au design ludique, Camper est aussi très investie dans la durabilité de ses produits. Dès l’origine, l’entreprise fondée en 1975 à Majorque, a employé des chutes de cuir ou de caoutchouc de pneus. Invitée de cette Talking Head, Cecilia Llorens, directrice de production chez Camper, explique comment la marque poursuit cette politique de réduction de l’impact environnemental de ses chaussures par des modèles monomatériaux, l’usage de ressources certifiées ou recyclées, et même l’introduction de matières compostables. En parallèle, Camper cherche à augmenter la durée de vie de ses produits et prône une communication à contre-courant avec le slogan : « Si vous n'en avez pas besoin, ne l’achetez pas ».

Jeansdinge était à l'origine, au début des années 2000, une collection d'objets en denim, que les artistes et chercheuses Katharina Hohmann et Katharina Tietze ont réunis pour une exposition dans un ancien kiosque est-allemand à Weimar, ville du Bauhaus, où elles exploraient les zones grises entre l'art et la mode. Les questions esthétiques et politiques soulevées par ces artefacts de la pop culture américaine ont conduit Katharina Hohmann à diriger le projet de recherche Jeansdinge on the Move entre 2021 et 2022. Dans cet article en forme de chronique, elle détaille les multiples approches artistiques et critiques développées autour de la collection. Toutes ces productions sont à retrouver sur le site : jeansdinge.com

Cherchant à échapper au modèle proposé par les institutions ou les entreprises privées de la friche à occuper temporairement, des collectifs d’artistes repensent le vivre et le travailler ensemble en faisant l’acquisition de terrains qui assurent une pérennité à leur action. Dans sa thèse Quand les artistes font forme en habitant ensemble. Usages, présences, imaginaires, (sous la dir. d’Olivier Desvoignes, HEAD, et Luca Pattaroni, EPFL) soutenue en 2022, Mathilde Chénin a observé quel vivre-ensemble se crée au sein de ces collectivités et comment la pratique individuelle de l’art subit des déplacements.

Enseignant du Programme master de recherche CCC et chercheur à la HEAD – Genève, Gene Ray s’intéresse aux pratiques radicales d’art et d’activisme à une époque de multiples crises sociales et écologiques. Poursuivant cette réflexion, il s’est entretenu avec Jay Jordan et Isabelle Frémeaux, un duo d’artistes, chercheurxs et activistes qui a participé à la lutte contre l’aéroport de Notre-Dame-des-Landes et s’est installé sur cette zad fortement médiatisée. Ensemble, ils reviennent sur les esthétiques qui se sont développées sur ce terrain d’expérimentation de formes sociales. En défendant d’anciens principes comme la convivialité et en proclamant leurs pouvoirs de guérison et d’invention de mythes galvanisants, ses formes refusent l’art contemporain tel qu’on le connaît.

Dans le cadre d’un cours consacré à la Théorie de la représentation, les étudiant·exs de 1ère année Bachelor en architecture d’intérieur ont livré des analyses chromatiques ou sur l’usage et le programme de Tik Tok, Instagram, Pinterest et leurs concurrents comme s’il s’agissait de bâtiments. Nous présentons ici des extraits de ces diagnostics surprenants qui partent du principe que l’architecture d’intérieur se situe désormais au nexus entre espaces physiques et médiatisés, comme l’enseigne Javier Fernández Contreras, responsable du cours.

La HEAD – Genève a reçu la journaliste Mélody Thomas lors de ses traditionnelles portes ouvertes pour un entretien sur son livre La Mode est politique : Un bref lexique inclusif (2022). Enregistrée, la rencontre a donné lieu à un épisode du podcast Front Row de Tara Mabiala et Camille Farrah Buhler. En discussion avec le duo de chercheuses et designers, la journaliste retrace son parcours dans une industrie en mutation et évoque certains des enjeux de son ouvrage.

Le livre collector Oracles – Artists’ Calling Cards se réinvente et s’ouvre au plus grand nombre dans un format digital. Instigateur de ce projet aux multiples ramifications sous l’égide de son Musée des Erreurs, Pierre Leguillon revient dans cet entretien sur sa pratique du livre comme espace d’exposition, le rôle de l’archive et l’importance d’initier une contre-histoire à travers la récupération des déchets de la culture visuelle.

Depuis les années 1990, Guillaume Dégé s’astreint à la pratique quotidienne des carnets. Celle-ci est devenue le vivier de l’ensemble de son travail graphique. Il présente dans cette conférence la typologie de cette pratique libre et dénuée de prérequis mais aussi rituelle et formalisée. Entre carnets de « footing » qui lui permettent de formuler des problèmes graphiques et de maintenir l’aptitude de sa main et carnets de « compost » où des parties intéressantes de dessins ratés sont recyclées à l’aide du collage, l’illustrateur bibliophile détaille les usages de cet outil intime.

Passionnée par le théâtre et la danse, mais se jugeant peu douée pour ces pratiques, Marion Fayolle a contourné les limites de la scène en imaginant un théâtre sur papier, où elle fait danser et bouger ses personnages. Elle explique sa manière de traiter les figures humaines comme des archétypes déguisés, qu’elle décalque, et réemploie comme des comédien·nes interchangeables d’une scène et d’un livre à l’autre. Ses histoires se développent à partir d’un dessin qui en suggère un autre, dans une forme de séquence aux potentialités d’interaction et de transformation bien plus vastes que celles des individus de chair sur scène.

Delphine Perret s’interroge sur la pensée créative. L’illustratrice a voulu se confronter aux expériences de ses collègues. Son livre Les Ateliers est le fruit de la rencontre de 24 illustrateur·trices qui lui ont parlé de leur manière de stimuler le muscle créateur et des conditions dans lesquelles celui-ci peut fonctionner. Rapport entre travail artistique et non artistique, procrastination, besoin de reconnaissance de l’activité créative comme un travail, l’atelier comme lieu intime d’une émergence, épiphanie créative : Delphine Perret montre à travers ces rencontres que la mise au travail nécessite le déploiement d’une énergie considérable.

Se questionnant sur les contraintes qui pèsent sur une activité d’illustration, Mirjana Farkas les regroupe sous les vastes catégories du temps et de l’espace. Temps qu’on gagne et qu’on perd, dont on rêve ou qu’on parvient à se ménager. Temps long du livre et plus ou moins court de la commande. Espace du musée imaginaire qui peuple l’esprit, celui des rencontres et des collaborations. Mais aussi espace physique des activités créatives, qu’il s’agisse de l’atelier ou du médium. Mirjana Farkas évoque sa pratique sous le prisme de ces diverses manières d’appréhender ces contraintes qui sont aussi des opportunités.

Page de garde, reliure, sens de lecture, 4^e de couverture, Blexbolex envisage le livre comme une mécanique précise, dont il use et détraque les rouages pour imaginer des publications qui surprennent et émerveillent par leur ingéniosité et leur capacité à créer de la narration. L’illustrateur revient sur les prémisses de cette passion pour l’objet livre dans un atelier de sérigraphie et commente toute la variété de sa production qui s’étend de productions underground, jusqu’au polar et à l’imagier jeunesse.

Dans cette conférence, Anne-Margot Ramstein évoque le travail à quatre mains qui se développe par le biais de sa collaboration avec Matthias Arégui. Entamée de manière instrumentale, afin d’avoir des dessins à montrer à une éditrice, cette fabrication d’images en commun a permis à l’illustratrice de se libérer de certaines pesanteurs liées au style personnel et à la signature qu’on attend d’un album. Elle raconte comment fonctionne cette collaboration, où iels se permettent d’ajouter ou d’effacer sans déférence marquée pour le travail de l’une ou de l’autre, afin de créer une œuvre duelle, et comment cette activité en binôme irrigue sa pratique personnelle.

Réfractaire à l’intentionnalité et aux processus de création figés, Anne Brugni a mis en place un cadre de travail où l’accident, l’association fortuite et la sérendipité peuvent surgir. Elle compose ainsi souvent à partir de papiers découpés qui se retrouvent en fouillis sur son bureau ou au sol. Certains hasards de proximité favorisent la mise en forme des images. L’artiste décrit ce mode de production fait d’incertitude contrôlée où l’idée voisine toujours avec l’oubli, le déchet avec le repêchage.

Cet essai part de Theory of The Gimmick: Aesthetic Judgment and Capitalist Form (2020) de Sianne Ngai pour analyser la réception du collectif de mode Vetements à travers le prisme du gimmick, en prenant notamment l’exemple de son célèbre t-shirt DHL, illustration parfaite de la sur- et sous-performance simultanée d’un objet. Jugement esthétique, le gimmick semble relever à la fois d'un excès et d'un manque de travail et reflète selon la chercheuse « une incertitude dans la conception du temps et l’appréciation de la valeur ». L’essai crée un parallèle entre le t-shirt DHL et le statut des créatif·ves dans leur domaine d’activité, mettant ainsi au jour l’implication du design dans les questions relatives au travail.

Nicolas Nova, enseignant et chercheur à la HEAD – Genève, a récemment publié le livre Exercices d’observation qui invite à entraîner ses capacités d’attention. Composé de courts textes, il est illustré par des croquis qui sont eux-mêmes des manières de noter, de classer et au final de penser le monde qui nous entoure et ses menus détails. Il s’entretient avec Julie Enckell Julliard sur cette pratique d’observation commune aux anthropologues et aux artistes qu’on nous enjoint à cultiver mais qui passe par des modalités qu’il s'agit de nourrir.

Important livre d′anthropologie, Le plus beau métier du monde (La Découverte, 2018) de Giulia Mensitieri menait une enquête de terrain sur les conditions de travail des travailleur·sexs de la mode. La chercheuse démontre que l′image du luxe masque et justifie la réalité précaire des employé·exs de ce secteur. Par le biais d′un long entretien contradictoire, Aude Fellay et Emilie Meldem, elles-mêmes critiques de l′amalgame qu′elles voient dans le livre entre design de mode et publicité des objets, tentent de co-construire avec l′anthropologue une approche qui s′inscrit dans la pratique.

Pendant ses études, Eva Meister a multiplié les boulots d’étudiant·e·x·s, nécessaires à son autonomie financière d’enfant d’une famille non privilégiée. Dans son mémoire de Master TRANS, cette alumna revenait sur cette activité et son articulation avec sa pratique d’artiste et ses études. À partir d’un constat sur la précarité et le risque d’enlisement de ce triple statut, elle évoque la manière dont l’art permet de s’auto-représenter et par là même d’objectiver la condition salariale et les contraintes quotidiennes. Nous publions ici de larges extraits de ce mémoire ainsi que des dessins de l’artiste en lien avec son travail.

Ces dernières années, de multiples initiatives ont réclamé une meilleure rémunération des artistes. Le succès de ces campagnes témoigne d’un changement salutaire du statut d’artiste, resté trop longtemps associé à une vision romantique de l’art qu’on pratique par passion et non comme un travail justifiant rétribution. Dans ce texte, l’artiste et chercheuse Julie Marmet, qui s’investit au sein de Visarte Genève en faveur des droits des artistes, revient sur la généalogie de ce mouvement et spécule sur la manière dont cette intégration des artistes au monde des travailleur·euses redéfinit la notion même de travail.

Dans Condition de l’homme moderne, Hannah Arendt a fameusement distingué le travail, lié à l’activité corporelle et à sa reproduction, de l’œuvre qui transcende la vie individuelle. Peindre n’en est pas moins une activité qui recouvre, par ses aspects physiques et matériels, les réalités du travail, tout en offrant une autonomie par rapport à ce champ qui lui ouvre un espace critique. Dans cet entretien réalisé dans son atelier genevois, le peintre Yoan Mudry parle des questions pratiques et comptables liées à son processus de production et de la possibilité, par la peinture, de commenter les représentations uniformisées de la vie au travail proposées par Google.

Présentation de deux films de l’artiste Lou Cohen qui explorent avec un humour grinçant le monde professionnel contemporain. Des cabinets de recrutement aux start-up, elle imagine des situations où le coaching et les rapports de pouvoir se combinent et s’entrechoquent au dépend de travailleur·euses en performance d’elleux-mêmes.

Designer graphique et enseignant qui s’intéresse depuis longtemps aux questions d’interactivité, Etienne Mineur a commencé à expérimenter avec les plateformes de génération d’images par intelligence artificielle comme DALL·E ou Midjourney pour créer de la typographie. Testant les limites de ces outils, en demandant par exemple des lettrages en crème chantilly en forme de crustacés, il est parvenu à produire des images qu’il juge peu concevables sans cette aide. Il détaille ses observations dans cet entretien et spécule sur l’évolution des métiers de la création face à cette automatisation du dessin.

Les moyens mis en œuvre dans sa peinture par Nicolas Chardon sont excessivement limités : des formes géométriques simples, le carré de préférence, parfois une expression tautologique comme « peinture abstraite », le blanc et le noir comme couleurs dominantes. Son travail s’éloigne pourtant du dogmatisme par la fidélité que son pinceau témoigne aux mouvements de ses tissus à motif de grille qui se déforment lorsqu’il les tend sur des châssis. Le bien fait et le mal fait se confondent dans une danse qui réunit la quête d’absolu de Malevitch avec le matérialisme de l’objet tronqué. Dans cet entretien, l’artiste français revient sur sa démarche d’artiste et d’enseignant de l’option Représentation à la HEAD – Genève.

Marque de chocolat genevoise fondée en 1826, bien connue pour ses avelines, une praline au chocolat emballée dans un papier doré, Favarger a mandaté le Département Communication visuelle de la HEAD – Genève pour développer une nouvelle identité visuelle en 2021. Le projet retenu (Fanny Alvarez, Loraine Friedli, Elsa Hoover, Jordane Vincenzi) s’inspire de carrés de chocolats brisés qui forment des motifs à l’abstraction évocatrice du contenu des emballages. Retour en images commentées sur ce mandat qui s'inscrit dans une volonté de confronter les étudiant·exs à des demandes concrètes et situées.

Assembler. Tel est le mot d’ordre de Louis Henderson. Depuis treize années, l’artiste et cinéaste britannique construit une filmographie 2.0 en utilisant essentiellement l’univers foisonnant des images et sons en expansion issus d’internet, plus connus sous le nom de net found footage. À ce titre, ses textes et films protéiformes interrogent la matérialité d’internet avec une approche archéologique, tout en explorant des thématiques aussi variées que le politique, la sociologie et l’anthropologie. Plus singulièrement, Henderson s’attache à mettre en lumière la permanence des vestiges culturels en lien avec les passés coloniaux. Rencontre avec le cinéaste en amont de son intervention dans le cadre de l’atelier net found footage du Département cinéma en 2023.

Le mème formé avec la phrase « Ok Boomer » résume bien le fossé qui s’est creusé entre les générations ces dernières années. D’un côté des Millenials et des Gen Z en quête de davantage de justice sociale et capables de résumer une situation complexe en une image ravageuse à tendance virale. De l’autre, des Boomers et des GenXers qui sont vu·exs comme les principaux représentant·exs de structures de pouvoir responsables d’inégalités et de catastrophes écologiques. La rupture de dialogue se manifeste à tous les niveaux de nos sociétés et singulièrement dans une école où ces générations se rencontrent dans des positions asymétriques. Nayansaku Mufwankolo, enseignantx en théories critiques qui occupe le poste de déléguéx à l’inclusivité à la HEAD – Genève (HES-SO) revient sur cette dichotomie et avance quelques pistes pour rapprocher les générations.

« Le monde est déjà filmé, il s’agit de l’organiser » disait déjà Guy Debord dans La Société de Spectacle. Internet a rendu ce réservoir d’images disponible. Le cinéaste et critique français Jean-Sébastien Chauvin envisage dans cet article les pratiques de cinéastes, qui, plutôt que d’ajouter des images au monde, recyclent, dans un pratique volontairement non productive, ces traces d’évènements historiques ou ces fragments du quotidien trouvés sur internet. Les montages qu’ils ou elles en tirent (ré)articulent ce flot d’images, produisant des récits, souvent engagés, qui contrent la logique de spectacle aliénante dénoncée par Debord. Ce texte introduit un programme consacré au net found footage présenté au festival Entrevues de Belfort du 22 au 27 novembre 2022.

D’un fantasme éveillé par les emballages de slips masculins, à la quête de soi dans les tréfonds des réseaux sociaux, en passant par une recherche sur ses origines irakiennes, trois films créés dans le cadre des ateliers de net found footage dirigés par Caroline Poggi et Jonathan Vinel à la HEAD – Genève sont à découvrir ici.

Publié en 2022 et déjà épuisé, le livre Graphic Design in the Post-Digital Age est en cours de réimpression. Afin de célébrer ce retour en librairies, nous publions un extrait de cette recherche (projet HES-SO dirigé par Demian Conrad, 2019-2021) sur la manière dont les designers graphiques ont intégré les langages de programmation informatique dans leur pratique créative. L’essai introductif de Silvio Lorusso s’intéresse aux représentations sociales du codage et aux limites qu’elles introduisent dans l’adoption de cette pratique. L’auteur suggère qu’au lieu d’insister sur la nécessité d’apprendre à coder, mettre l’accent sur ce qu’on apprend en pratiquant le codage serait bénéfique et émancipateur.

L’Europe s’est donnée pour objectif de relancer plusieurs lignes de trains de nuit afin de réduire l’empreinte écologique du transport de personnes. On parle de relier Paris à Barcelone ou à Madrid en une nuit d’ici 2024. De Suisse, le Bâle-Amsterdam a repris du service nocturne. Mais force est de constater que ces voyages rappellent davantage des nuits en boîte Tupperware que l’élégance de l’Orient-Express. Pour son Master en Architecture d’intérieur, Elizaveta Krikun s’est penchée sur cette discordance entre l’image et la réalité du train de nuit. Dans son projet, elle s’inspire des trains de la Belle Epoque pour créer un décor contemporain et confortable avec des matériaux qualitatifs, des espaces modulaires et des lieux de socialisation.

Les procès suivent une dramaturgie qui leur est propre. C'est cette mise en forme du réel qui a donné envie à Yamina Zoutat de faire du cinéma lorsqu'elle était chroniqueuse judiciaire. Dans ses films, elle cherche à sortir de l'oubli certaines voix, comme celles des mères des accusé·es appelées à la barre, dont la parole semble avoir un statut secondaire.

Un parcours académique peut paraître tout tracé, balisé par des voix qui font autorité et une méthodologie de recherche éprouvée. Dans son livre Zizanies, l’historienne d’art et critique Clara Schulmann emprunte une autre voie, en se laissant entraîner par l’écoute des voix de son quotidien : la sienne d’abord, mais aussi celles d’autrices de podcasts, de penseuses, d’artistes et d’amies proches. Son ouvrage composé de fragments forme un tissage de voix et dessine un paysage intellectuel et affectif marqué par le féminisme, tout en faisant affleurer le cheminement personnel de l’autrice. Dans cette conversation à bâton rompus, Julie Enckell la questionne sur les implications de cette transition dans le cadre pédagogique.

Derrière la caméra, dans les studios de casting, dans les boîtes de nuit, ou sur un terrain de foot, river travaille méthodiquement à la visibilisation des personnes trans et queer. Dans une industrie du cinéma aux structures  conservatrices, qui n'a longtemps imaginé des histoires de personnes trans que sur le mode du pathos ou du fétichisme, des figures issues de ces communautés minorisées instillent de nouveaux récits où elles incarnent des sujets agissants. Dans cet entretien, river revient sur ces questions de représentations et sur son parcours volontairement plus occulte.

Activités autonomes aux règles propres et dénuées de toute utilité identifiable, le jeu et l'art se sont régulièrement rencontrés et embrassés au fil de l'histoire, en particulier dans le projet subversif de l'Internationale Situationniste. Alors que le monde et ses interfaces nous engagent dans un jeu sans fin, la curatrice Roxane Bovet proposait avec son exposition Forget Chess, présentée dans le cadre de l'inauguration du campus HEAD en juin 2022, de retrouver l'essence politique et expérimentale du jeu, c'est-à-dire sa capacité à créer des modèles expérimentaux où les relations sociales peuvent être transformées.

En conversation avec la critique d’art Jill Gasparina et l’anthropologue des cultures numérique Nicolas Nova, la net artiste Olia Lialina témoigne dans cette Talking Heads du changement de paradigme intervenu au cours des années 2000 avec le passage d’une culture des utilisateur·rices à une culture de masse où les technologies sont devenues invisibles et indistinctes.

De la violence d’une tendresse qu’on nous refuse à la tendresse d’une amitié qui sauve, à celle du vêtement qui construit, dévoile, répare, Louise Jarrige-Le Berre donne à voir ce qu’il y a de radical dans la tendresse. Dans son mémoire, poésie et mode convergent pour donner voix au langage du corps, et faire entendre les dialogues inaudibles des corps entre eux. Trouver sa forme dans l’acte de se vêtir, se former dans l’acte du faire avec, les mettre en mots : c’est l’enjeu d’un travail qui résonne avec la volonté de définir une pratique de mode poétique et politique, sans quoi la mode n'est qu’artifice.

Étape cruciale de la construction d’un film, où le rythme, la grammaire et la dramaturgie se redéfinissent, le montage reste une profession de l’ombre. Ael Dallier Vega, monteuse et intervenante au Département Cinéma de la HEAD – Genève, raconte au long de cet entretien avec Delphine Jeanneret ce travail en immersion dans l’obscurité de la salle de montage. Elle y édite des centaines d’heures de rushes afin de faire éclore la vision du réalisateur ou de la réalisatrice, jusqu’à parfois se laisser engloutir dans des temporalités parallèles. Active dans des domaines aussi variés que le film de fiction, le documentaire, le film d’art, le clip vidéo, Dallier Vega a notamment monté le film Atlantique de Mati Diop qui a remporté le Grand Prix à Cannes en 2019. Elle collabore étroitement avec l’artiste Philippe Parreno ainsi qu’avec Marie Losier, qui enseigne au Département Cinéma. Elle a récemment travaillé sur le documentaire Ardente·x·s (2022) de Patrick Muroni, consacré au collectif de production de films pornographiques éthiques lausannois OIL Productions.

Autrefois disséminée dans plusieurs bâtiments de la ville, la HEAD – Genève a désormais regroupé la majorité de ses activités sur un nouveau campus, dans le quartier de Châtelaine. Les Arts visuels en particulier ont déménagé en 2021 de leur bâtiment historique du Boulevard Helvétique – communément appelé BH –, à côté du Musée d’Art et d’Histoire, pour rejoindre des locaux neufs. Quelques semaines avant de quitter ces lieux emblématiques, couverts de patines et de graffitis, Michael Jakob est allé interroger ses usager·ères : huissier, personnel de nettoyage, étudiant·es, enseignant·es qui témoignent de leur attachement à ce site charismatique. La vidéo qu'il en a tiré à visionner ici rend autant hommage à la vénérable bâtisse qu'à l'énergie créatrice qui s'y est déployée.

Martin Zambaz s'intéresse à un épisode historique peu connu, celui du blackout auquel a été soumis la Grande-Bretagne pendant la Seconde Guerre mondiale. Les lumières artificielles étaient interdites pour protéger les agglomérations des bombardements aériens allemands. Face à cette mesure impopulaire et génératrice d'insécurité, de nombreuses campagnes de communication et propagandes sont menées par les autorités britanniques. Zambaz analyse cette production de messages à la population, des plus opportunistes comme l'appel à manger plus de carottes pour mieux voir dans le but d'écouler le stock de cette denrée abondante, jusqu'aux plus innovantes comme le style graphique de la Société royale de prévention des accidents (RoSPA) qui intègre des valeurs progressistes et fédératrices dans un langage moderne pour créer un sentiment d'unité nationale face au blackout.

En ville, le passant, tour à tour flâneur, touriste et – le plus souvent – travailleur pressé, se trouve confronté à une multitude textuelle surabondante : inscriptions publicitaires, signalétique, mais aussi le répertoire plus informel du graffiti, du lettrage militant ou de la fresque urbaine. Dans un système économique privilégiant l’efficience et la vitesse, l’existence de moments dédiés à la lecture, à la contemplation, deviennent le privilège d’une minorité. À travers une analyse de la pratique de l’autrice, historienne et artiste suisse Karelle Ménine, qui inscrit des textes poétiques dans l’espace urbain, ce mémoire interroge les politiques de l’attention et les mécanismes de différentiation classistes au sens bourdieusien dans ces points de contacts entre littérature et cité.

Ville nouvelle des années 1960 et station de sports d’hiver de Haute-Savoie isolée et futuriste composée de tours en bois et de rues sans voitures, Avoriaz développe un fort imaginaire qu’un festival international de film fantastique viendra couronner et promouvoir dès 1973. Le festival d’Avoriaz a bénéficié de l’avènement d’une nouvelle génération de cinéastes fantastiques comme Steven Spielberg, Brian De Palma, David Lynch, John Carpenter, George Miller, Luc Besson, David Cronenberg, James Cameron, Paul Verhoeven ou Peter Jackson. Il a été, pendant deux décennies, une porte d’entrée pour de nombreux fans de fantastique de l’époque et a largement contribué à démocratiser le genre en France. Ce mémoire riche en matériaux d’archives et en interviews avec des protagonistes de l’évènement étudie le festival d’Avoriaz dans ses dynamiques marketing et analyse les causes qui ont amené son déclin. À l’occasion des cinquante ans du lancement du festival en 2023, ce travail est aussi une occasion de questionner la mémoire et l’héritage de cette manifestation.

La techno et la culture rave, qui se sont développées jusqu’à inonder le monde au début des années 1990, sont les points d'entrée de cette étude. Le phénomène de la danse collective, les nouveaux formats de la fête, la musique comme actrice centrale ou encore l'appropriation exaltée de divers lieux ne constituent que quelques-uns des éléments de cette histoire. Ce mémoire se concentre en particulier sur la transformation de la Pologne après la chute du communisme en 1989 et la croissance de la scène techno dans ce contexte. En examinant l'évolution spatiale des espaces dédiés à cette musique, de leurs débuts souterrains illégaux à leur phase de maturité, hyper commercialisée et matérialisée par des festivals monstrueux comme des intérieurs de clubs offrant une expérience immersive, Patrycja Pawlik se penche sur les potentiels tangibles de ces environnements temporels, où le corps et la danse continuent de jouer un rôle crucial dans l'exploration du soi et du sentiment d'appartenance sociale.

Des pots de fleurs qui se volatilisent annonciateurs d'un monde en décrépitude, la mort d'un tailleur de pierres tombales qui laisse un grand vide ou une surprise d'anniversaire cauchemardesque en rase campagne. Ces histoires imaginées par trois étudiant·es en deuxième année bachelor illustration sont passées par une série d'étapes avant d'exister sous la forme de bandes dessinées au stylo, au feutre ou à la tablette numérique. Du scénario à l'adaptation en dessins en passant par le découpage, cet article revient sur une année d'atelier en illustration à travers une sélection de productions étudiantes. Les enseignant·es qui ont encadré ces ateliers reviennent de leur côté sur les questions méthodologiques et théoriques propres aux différents objets produits par les étudiant·e·x·s.

Le 18 juin 2022, documenta fifteen ouvre ses portes à Kassel. Cette nouvelle édition dirigée par ruangrupa cherche à embarquer la manifestation quinquennale allemande dans l’écosystème communautaire et décentralisé du collectif indonésien. Les étudiant·e·x·s du séminaire de Marie-laure Allain Bonilla ont mené un long entretien avec farid rakun, l’un des membres de ruangrupa, qui détaille les méthodologies de travail du collectif, leurs concepts singuliers qui ouvrent à de nouvelles épistémologies curatoriales et les relations qui se sont établies entre leur base de Jakarta et Kassel.

La notion d’écosystème trouve un fort écho dans les pratiques artistique contemporaines. Influencé·e·s par l’approche néomatérialiste qui conteste la primauté du sujet et considère la matière comme dotée de vitalité, des artistes proposent des œuvres ouvertes à la mutation et à l’altération sans qu’ils ou elles n’en soient plus les opérateur·rice·s. Avant de pousser les artistes à sortir complètement du système productif ou à s’engager dans des pratiques purement immatérielles, David Zerbib postule dans cet essai que la crise écologique provoque d’abord et surtout un changement de positionnement de l’humain dans un réseau polycentrique d’agentivités plurielles.

Yves Corminboeuf fait partie des pionniers du design durable en Suisse. Le chargé de cours et délégué à la durabilité de la HEAD conseille de nombreuses structures afin de les faire évoluer vers une prise en compte des enjeux écologiques propres à leur modèle de production. Il est également actif dans le réemploi à travers l'association Matériuum, une ressourcerie très appréciée du monde culturel qui récupère et remet en vente des matériaux de construction. Dans cet entretien avec Elizabeth Fischer accompagné d'une longue introduction, il revient sur les origines de la notion d'écoconception et les moyens à disposition des designers pour limiter leur impact sur les ressources du système Terre.

Longtemps l’architecture a été synonyme de construction. La prise de conscience de la dimension destructive au niveau planétaire d’une telle entreprise pousse les architectes à envisager d’autres voies pour poursuivre leur pratique. Réalisé dans le cadre de l’atelier RE:WORK de Leonid Slominsky du Master en architecture d’intérieur, le projet de Nobuyoshi Yokota propose de réaffecter une gare abandonnée à Crans-près-Céligny, dans le vignoble de la Côte, pour en faire un lieu d’apprentissage des métiers du vin. Par des interventions architecturales minimales, Yokota dote cette relique des débuts du rail d’un programme qui lie pensée écologique, sociale et économique.

Le design centré utilisateur s’est imposé de manière exclusive dans le développement des interfaces et protocoles informatiques. Loin d’être neutre, cette approche du design est au contraire biaisée, car fondée sur certains utilisateurs bien identifiés – les actifs, les consommateurs – alors que d'autres populations plus précaires ou aux pratiques moins formatées restent dans son angle mort. La réduction de la pensée de l’objet à son seul usage se fait également au détriment d’une réflexion plus globale qui pourrait intégrer par exemple le devenir déchet d’un produit. À l’invitation de la Digital Tech Conference 2021 de Rennes, Anthony Masure, responsable de la recherche à la HEAD – Genève (HES-SO) et Brieuc Saffré, directeur de l’agence de design circulaire Circulab amorcent une critique de ce dogme du design pour envisager d’autres pistes, du design centré citoyen au design qui enlève plutôt qu’il n’ajoute. Nous publions ici une version audio de cette discussion animée par Julien Vey, président de l'Institut supérieur de design de Saint-Malo.

Les nouvelles technologies s’accompagnent souvent d’effets secondaires nuisibles, sur le plan écologique, mais aussi psychosocial. Plutôt que de mettre en avant la nouveauté, Kris De Decker tente de répondre à nos besoins humains par des articles sur des technologies oubliées, le recyclage, la réparation et l’ingéniosité. Il les publie en ligne sur Low-Tech Magazine, qu’il a fondé en 2007. La création d’une version du site à basse consommation énergétique alimentée par un panneau solaire installé sur son balcon allie le non seulement le média à son contenu, mais vient démontrer tout le potentiel créatif à tirer de la frugalité. L’enseignant et chercheur en design Nicolas Nova (HEAD – Genève, HES-SO), lui-même auteur d’un projet de recherche sur les magasins de réparations de téléphones portables, s’entretient avec De Decker au sujet de son passionnant et inspirant projet éditorial et sur la portée politique d’un changement de paradigme de la production, vers la dé-production, la maintenance et la réparation.

Outre le fait d’être l’une des industries les plus polluantes au monde, la mode soumet ses ouvrier·ère·s à des conditions de travail parmi les plus dégradantes. Face à ces abus, la mobilisation des consommateur·ice·s reste négligeable. Partant de ce constat, Mikhail Rojkov s’est lancé dans une série d’actions de sensibilisation, parmi lesquelles la réparation de jeans déchirés neufs qu’il replace en rayon pour pointer les dérives et absurdités du système. Aussi douces et attentionnées soient-elles, de telles interventions foulent certains principes au cœur du capitalisme, comme la propriété privée. Dans ce texte, Rojkov discute des frontières entre vandalisme et embellissement, et du potentiel de transformation politique concentré dans un fil, une aiguille et un geste d’amour.

La HEAD et la HEG se sont associées pour développer un calculateur carbone avec pour objectif de mesurer l'impact sur le climat des activités des HES de Suisse romande. Porté par Anthony Masure, Yves Corminboeuf (HEAD – Genève, HES-SO) et Laurent Cornaglia (HEG), ce projet de recherche appliqué actuellement en phase finale de développement sera disponible via une application en libre service. Pour ce dossier, Yves Corminboeuf et Laurent Cornaglia ont calculé à l'aide de cet outil les émissions de la conférence de matali crasset de janvier 2022.

Les films d’espionnage de l’époque de la Guerre froide témoignent d’une polarité entre technophilie affichée et critique de l’emprise de la technologie sur l’esprit humain. Dans ce texte qui préfigure une exposition qu’elle prépare sur cette analyse d’un pan du cinéma anglo-saxon d’Après-guerre, l’historienne du design Alexandra Midal (HEAD – Genève, HES-SO) compare les gadgets de la franchise James Bond qui laissent croire qu’une innovation technique peut régler n’importe quelle difficulté opérationnelle à des films, comme Ipcress, danger immédiat, où l’espion doit faire face à des techniques de manipulations mentales alors expérimentées dans les laboratoires secrets de la CIA. Comme dispositif multi-sensoriels de projections d’images, le cinéma se reflète lui-même dans ces films sur le lavage de cerveau.  

matali crasset est une designer admirée, connue pour ses nombreuses éditions avec des marques et pour ses commandes publiques. Lors de cette Talking Heads animée par Alexandra Midal, elle aborde les aspects plus souterrains et plus essentiels de son travail qui touchent à la question politique et au rôle du ou de la designer dans un monde abîmé. Entre un pas de côté qui nous fait entrer chez le voisin, une pensée de l'objet dans ses multiples couches de sensibilité et ce qu'elle nomme les "habitations de la restitution", qui sont des hypothèses de logements en relation directe avec l'environnement, elle transmet une idée du design comme point de médiation entre les êtres "sentants" et la nature.

Dans ce portrait vidéo qui lui est consacré, Nayansaku Mufwankolo, déléguéx à l'inclusivité à la HEAD – Genève, met en lumière les différentes étapes qui lui ont permis de déployer sa pratique. De poèmes d'abord confinés à des carnets privés et qui se développent désormais dans l'espace, à des études académiques centrées sur l'histoire de l'art officielle débouchant sur l'affirmation d'une pensée intersectionnelle à travers les moyens de l'art, le parcours de Nayansaku Mufwankolo est marqué par une volonté de s'affranchir des dogmes dominants et par un désir de transmission.

Diplômée en 2014 du CCC, l'artiste et activiste Marisa Cornejo a réalisé un film qui revient sur les événements de Plaza Italia à Santiago, renommée Plaza de la Dignidad depuis le 18 octobre 2019. Pendant plusieurs semaines, des manifestant·e·s s'y sont rassemblés face à la répression policière pour réclamer une meilleure justice sociale et l'abrogation de la Constitution héritée du régime d'Augusto Pinochet. La statue du général Baquedano qui trônait au centre de la place a été retirée par le gouvernement le 13 mars 2021 après les déprédations intervenues sur ce symbole des divisions chiliennes. Héros militaire pour certain·e·s, génocidaire de populations indigènes pour d'autres, Baquedano s'en est allé au milieu de la nuit, par la petite porte. Cornejo s'est associée à sa fille Katya Kasterine et à Cecilia Moya Rivera (étudiante du CCC) pour adosser le film à un essai à plusieurs voix, un journal de bord de la contestation – publié en anglais et en espagnol. Ensemble elles retissent la mémoire d'un pays traversé par de multiples conflits, espérances, violences et inégalités, dont la présence absente de la statue du général devient le leitmotiv. Cet article est un nouvel épisode et la coda du focus publié l'an dernier: All Monuments Must Fall.

Sylvie Boisseau, Frank Westermeyer et David Zerbib publient le ebook Jouer à être humain, fruit d'un projet recherche (HEAD – Genève, HES-SO) de deux ans (2018-2020) qui mêle expérimentation vidéo et philosophie. Ils y testent la théorie de la positionnalité de Helmuth Plessner qui postule que végétaux, animaux et humains se différencient par leur relation distincte à l'espace.

Ces conférences interrogent la question de l'engagement. Au-delà de la représentation, comment l'art peut-il entrer en dialogue avec des communautés en proie à des crises humanitaires? À travers des projets au Kenya, en Afghanistan et à Beyrouth, les intervenantes évoque le potentiel curatif de l'art. Le modèle de la tragédie grecque est également introduit comme une manière d'explorer et purger les traumatismes personnels et collectifs.

Ces conférences interrogent les notions parentes bien que parfois concurrentes d'éthique et d'esthétique. Certains symboles permettent de relier ces notions. De même un dialogue entre perspective distante et action de terrain permet de développer une intrication positive entre ces deux catégories.

La comédienne Véronique Augereau et le comédien Philippe Peythieu interprètent les voix de Marge et Homer Simpson en français. Pour cette Talking Head, le couple est accompagné par le graphiste Olivier Lebrun, auteur du livre culte A Pocket Companion to Books from The Simpsons. Leur conversation se concentre sur l’importance de la voix dans le cinéma et dans le jeu d'acteurs, l'émergence du parlant au cinéma, la technique et le savoir-faire des comédiens de doublage, les voix artificielles, mais aussi la longévité des Simpsons de Matt Groening, leur esprit libertaire et frondeur, des anecdotes de doublage.

Cette série de conférences se penche sur quelques cas concrets où art et humanitaire collaborent directement dans des zones en crise. Les intervenant·e·s témoignent des diverses incidences positives de l'art tant du point de vue de son expérience en tant que spectateur·trice, que de sa pratique.

Les artistes attentif·ve·s aux situations humanitaires posent la question du regard face à la vulnérabilité et des risques de voyeurisme. Plus largement les intervenant·e·s réfléchissent à l'agentivité d'une oeuvre dans sa manière de susciter cognition et émotion.

Dans cet essai, l'artiste et curatrice Annette Amberg réfléchit à la place qu'occupe le CERN dans la culture, de même qu'aux tensions entre un développement technologique, qui passe notamment par des outils de visualisation et de représentation toujours plus perfectionnés, et des relations humaines bornées à un espace-temps tangible. Ce texte vient clore deux workshops transversaux organisés par le Pool Photographie de la HEAD – Genève en collaboration avec le CERN, le Biophore de l’EPFL et l’observatoire astronomique de Genève. En 2017-2018, le workshop "Figures" a donné naissance à la publication Un signal sur un bruit de fond. En 2019-2020, Infiniment infini était le titre à la fois d'une seconde publication et du workshop dont elle est issue. Ces deux publications sont accessibles au format PDF dans cet article.

La HEAD – Genève défend une politique d'accessibilité de la connaissance qu'elle produit. Elle a lancé dans ce but une nouvelle cellule éditoriale multisupport baptisée HEAD – Publishing. Manifestes, la première collection issue de cette maison d'édition regroupe de courts textes théoriques incisifs portés par des enseignant·e·s et chercheur·euse·s de l'école. Son originalité est de proposer ces ouvrages sous forme de livres imprimés vendus en librairies, mais aussi en impression à la demande, en version ePub gratuite ou en lecture à l'écran sur le site HEAD – Publishing. La conception de ces livres est passée par un processus novateur qui questionne le rapport du livre imprimé et du livre numérique. Les initiateur·trice·s du projet: Julie Enckell Julliard, Anthony Masure et Dimitri Broquard font ici le compte-rendu de cette expérience éditoriale.

Dans le cadre d'un projet de recherche, Benjamin Stroun (HEAD – Genève, HES-SO) s'est entretenu avec Catherine Meurisse, l'autrice des bandes dessinées La Légèreté (Dargaud, 2016), Les Grands espaces (Dargaud, 2018), et du récent La Jeune femme et la mer (Dargaud, 2021), connue aussi pour sa longue collaboration avec le journal satirique Charlie Hebdo. Nous publions un extrait audio de cet entretien, où Benjamin Stroun interroge la lauréate du Prix Töpffer 2021 sur son rapport à la bande dessinée, un genre pour lequel elle a délaissé momentanément le dessin de presse.

La HEAD – Genève est indirectement liée à la Déclaration de Vienne sur la recherche artistique car elle adhère à l'un des organismes de tutelle signataire du texte – la Society for Artistic Research (SAR). Cela dit, l'école développe et milite en faveur de formats de recherche qui s'extraient d'un cadre trop académique ou orienté vers les applications concrètes. Dans un entretien, Anthony Masure, responsable l'Institut de recherche à la HEAD, retrace les initiatives de l'école pour développer une recherche dont la création est le moteur du processus heuristique et la restitution peut contourner le texte académique. En complément, Doreen Mende, chercheuse et responsable du Programme Master de recherche CCC, revient sur le rôle politique des pratiques avancées en art dans leur diffusion de la connaissance et leur déconstruction des hiérarchies historiques, que la Déclaration de Vienne tend à l'inverse à rigidifier.

Renouveler l'architecture et ses paradigmes pour un futur plein d'inconnues, dans un monde multiple et archipélique, soumis à l'épuisement des ressources et au défi climatique, tel était l'ambition d'Archipelago, un évènement organisé de manière conjointe par la HEAD – Genève et l'HEPIA. Les rencontres avec des dizaines de praticiens et théoriciens internationaux étaient diffusées en livestream depuis l'auditorium du Cube de la HEAD, transformé en studio de télévision pour l'occasion. Cet article reprend quelques scénarios discutés dans cette arène qui pourraient changer de manière radicale la discipline architecturale.

Au printemps 2021, Anja Aronowsky Cronberg était invitée par le département mode à échanger avec les étudiant·e·s sur son expérience d’éditrice de la revue Vestoj, pionnière dans sa manière de développer une approche théorique universitaire sans renier son amour pour le glamour de la mode. Nous publions ici une version abrégée de cette conversation conduite par Aude Fellay.

Le montage est un des instruments privilégiés du cinéma pour orienter l'attention et les émotions des spectateur·trice·s. Alfred Hitchcock en convenait, lui qui se définissait comme un directeur de spectateur·trice·s avant d'être un directeur d'acteur·trice·s. Cette série de conférences revient sur plusieurs expériences et théories liées à ces effets produits par le montage, qu'il s'agisse de la manipulation des esprits à travers les images subliminales, des découvertes du théoricien russe Lev Koulechov sur le sens qui se dégage de l'interaction des plans, et enfin sur la technique contemporaine de l'oculométrie, qui détermine où le regard se pose dans une image.

Ces conférences mettent en évidence la dimension physique et matérielle du montage dans divers contextes hors du cinéma. À travers la composition musicale, le théâtre, l'architecture ou la création littéraire, le montage peut occuper autant le rôle de technique que celui de sujet ou métadiscours. Il révèle alors ses coutures dans ces transpositions hors du champ de l'image en mouvement.

À contre-courant du déluge d'images, certaines formes de montage, de compilation et de mise en espace permettent de s'engager de manière critique dans les images. Doreen Mende revient sur les approches de monteuses soviétiques et de l'artiste Harun Farocki qui se sont illustrés dans cette « nouvelle pédagogie des images » émancipatrice, tandis que Claire Atherton évoque les installations de films de Chantal Akerman et qu'Olivier Zuchuat s'intéresse à la construction interne des plans de Roy Andersson, conçus comme des tableaux.

Cette série de conférences approche la notion de montage dans des arts et activités voisines du cinéma comme les nouveaux médias, les jeux vidéos ou la bande dessinée. S'affranchissant du cinémacentrisme, Frederik Peeters défend la position que le montage en bande dessinée se fait dans la tête du lecteur·trice, tandis que Selim Krichane marque aussi la différence du jeu vidéo comme art de l'immersion avant tout. Les cultures numériques témoignent pour leur part d'un montage qui échappe à la figure singulière, devenant collectif chez les fans detective qui intéressent Chloé Galibert-Laîné, voire automatisé par des algorithmes selon les recherches de Nicolas Nova.

À travers des vidéos, des installations immersives ou des dessins, Morag Keil envisage avec un humour désabusé l’impact de ce que Shoshana Zuboff a fameusement nommé le capitalisme de surveillance. Ce modèle économique n’a fait que se renforcer à la suite des multiples confinements et appels à pratiquer le télétravail durant la pandémie de Covid-19, rendant du même coup plus sensible la précarité de la vie dans des territoires urbains gentrifiés. Professeure invitée au Work.Master en 2020-2021, l’artiste écossaise revient sur son expérience d’enseignement à distance et sur les méthodes qu’elle a mises en place pour esquisser des formes de collectivité digitales avec ses étudiant·e·s. Ensemble iels ont créé le film Great expectations/ broken dreams qui imagine une école d’art alternative.

L’histoire des artistes est émaillée de deux mouvements contradictoires, celui de s’affranchir du jugement des personnalités agréées par les institutions et vaincre sa solitude. Ce double fantasme agit comme un moteur, une résistance, un déplacement qui débouche souvent sur la création de nouvelles formes ou de communautés artistiques aux formats variables d’autogestion. Le collectif Medium Sans Serif (Justine Salamin, Eliot Ruffel et Samuel Cardoso) s’est constitué en 2020 à l’initiative de trois diplômant·e·x·s de la filière Arts visuels, dans le but d’offrir un accompagnement aux jeunes artistes. Discussion, « sessions critiques », production éditoriale ou projet curatorial, le dispositif vise à entourer et à nourrir la réflexion des jeunes diplômé·e·x·s au sortir de leur formation à la HEAD. La démarche a pris ancrage à la Galerie Alexandre Mottier, au moment où celle-ci cherche à se réinventer.

Rares sont les occasions de lire des extraits d’un scénario de film encore au stade de la post-production. Entre deux sessions de montage, Carmen Jaquier revient sur l’écriture de son deuxième long-métrage de fiction, Les Paradis de Diane, qui raconte l’errance de Diane, une trentenaire en fuite après avoir donné naissance à son premier enfant. Coécrit et coréalisé avec Jan Gassmann, ce scénario a été initialement développé entre septembre 2014 et juin 2016 au sein du master de cinéma HEAD/ECAL. Si la substance du film était déjà bien présente dans cette première version, l’histoire a pourtant passablement changé. Cet entretien entre la réalisatrice et la critique Mariama Balde met en relief le parcours souvent sinueux de l’élaboration d’un scénario.  

Le collectif Badaboum a été créé en 2018 à Genève dans le cadre d’un atelier de l’option [inter]action en Arts Visuels. Jusqu’en 2020, il a réalisé toute une série d’expérimentations dont le dessein est resté mystérieux pour beaucoup. Ses membres se rassemblaient autour de pratiques d’action, d’observation, de description et de reconstitution. Un livre tiré en 50 exemplaires retrace les activités de Badaboum. Nous en donnons ici un plus large accès en publiant le pdf de cette édition.

À partir d’une querelle de voisinage entre un Arabe qui écoute de la musique fort la nuit et une autre personne non identifiée qui réclame le silence, Balam Ronan Simon Delgado tisse une réflexion sur la politique du son et de l'écoute. Il pose l’hypothèse que notre manière d’écouter est marquée par le fardeau de l’histoire tant sur un plan personnel que collectif et qu'elle influence notre relation à notre environnement.

Dans ce texte Roman Karrer s'intéresse à la manière dont le nom des rues, des places ou des montagnes charge ces lieux d'une dimension symbolique. Le cas du botaniste et zoologue Louis Agassiz, né à Fribourg en Suisse et dont près de 80 sites portent le nom, jusque sur la Lune, témoigne de ce type d'ancrage problématique. Longtemps omis, le racisme d'Agassiz qui s'opposait aux théories de Darwin sur l'évolution pour défendre un suprémaciste blanc, définit désormais cette figure controversée. Karrer revient sur les diverses manières dont le nom d'Agassiz a été escamoté ou non ces dernières années et sur certaines évolutions positives, comme l'hommage rendu à la romancière de science-fiction noire Octavia E. Butler dont le nom désigne un point de la planète Mars.

Dans un numéro de la revue October de 1997 consacré au Situationnisme, T.J. Clark et Donald Nicholson-Smith rejetaient le récit selon lequel l’IS aurait renoncé à l’art au profit de la politique au début des années 1960. En réalité, l’organisation n’aurait renoncé qu’aux formes conventionnelles et représentationnelles de l’art, défendant en parallèle la dimension utopique du projet artistique. Gene Ray développe cet argument en s’appuyant sur l’action des Situationnistes à la Place de Clichy, où ils avaient tenté de réinstaller une statue de Fourier.

Tel un dialogue entre les langues, ce texte bilingue espagnol-anglais prend aussi la forme d'une chanson, puis d'une harangue. Il revisite l'histoire chilienne à travers les manifestations contre les inégalités sociales de 2019 dans ce pays. Ces évènements ont notamment mené au renversement de la statue équestre du général Badequano, un militaire qui a participé à la guerre contre le peuple autochtone Mapuche.

Pendant 25 ans, Genève a bénéficié d’une scène squat riche et cruciale tant socialement que culturellement. Ces espaces, qui étaient occupés selon divers dispositifs légaux, défiaient la spéculation immobilière. Les auteur·trice·s de ce texte considèrent que ces squats étaient devenus des monuments, qui ont pourtant été éradiqués par une politique concertée dans les années 2000, sur laquelle iels reviennent.

Le Mur des Réformateurs au Parc des Bastions à Genève a connu de multiples assauts depuis sa construction en 1909. À partir de cette histoire de tag et de peinture, Basile Collet réfléchit à la manière dont ces éruptions de vandalisme participent à perturber un ordre public, soi-disant pacifié, pour y réinsuffler du débat et du conflit social.

Faisant écho à son expérience dans l'ancien espace soviétique, où une série de changements brutaux de régimes ont été émaillés par des renversements de statues, Sara Bissen compare le traumatisme psychologique laissé par ces événements historiques parfois violents au cycles répétitifs des statues érigées puis renversées.

Dans cette introduction, Gene Ray (HEAD – Genève, HES-SO) revient sur une série d’évènements récents, principalement en lien avec le mouvement Black Lives Matter, qui peuvent laisser penser qu’un nouvel iconoclasme a débuté. Il associe cette manière agressive de remettre en cause l’histoire dominante, en s’attaquant aux statues, au concept écologique de réensauvagement (wilding) de Nancy Fraser. L’auteur crée ainsi une alliance entre les mouvements décoloniaux et les activistes du climat qui ont semblablement diffusé des formes d’indiscipline dans l’espace public ces dernières années.

Celles et ceux qui ont visité la Biennale de Venise ont remarqué un monument sur le rivage devant les Giardini, presque en face du pavillon suisse. Il s’agit du fameux monument commémoratif Alla Partigiana conçu par Carlo Scarpa – le maître de l’architecture muséale en Italie dans l’Après-guerre – en collaboration avec le sculpteur Augusto Murer. Peu savent que cet ensemble cache un épisode clé de la confrontation entre l’art contemporain et le terrorisme politique dans l’Italie des années 1960. Ce monument peu élevé et horizontal est en fait la reconstruction d’un précédent monument détruit par un attentat terroriste qui avait pour but de profaner un symbole.

Qu’est-ce qui doit tomber ? Ce podcast interroge des membres de collectifs suisses romands de résistance contre le racisme, le patriarcat ou les violences policières. Cette question élargit la notion de monument à celle d’institutions comme les prisons ou la police.

L'élément liquide est omniprésent à Genève, ville connue pour sa rade, son jet d'eau, ses rivières, ses fontaines. Mais cette eau est aussi canalisée et domestiquée de manière draconienne par de nombreuses infrastructures. Dans ce texte, l'autrice tente de déceler un esprit genevois dans l'examen de monuments liés à l'eau dans la ville du bout du lac.

En 1996, peu avant la rétrocession de Hong Kong à la Chine, un artiste asperge la statue de la Reine Victoria de peinture rouge et la défigure avec un marteau. Le sens de cette action est resté ambigu. Une attaque contre le pouvoir colonial anglais ? Un retour aux méthodes des gardes rouges de la Révolution culturelle ? Ou l'idée plus large qu'à un empire en succède un autre ? À la lumière du nouveau partage idéologique à Hong Kong, dans lequel la statue de Victoria est appropriée par le camp de la "démocratie" et la répression chinoise des formes d'actions dissidentes, Phoebe-Lin Elnan prône une nécessaire déconstruction des formes d'oppression mentale que représentent certains monuments.

Dans cet article, Gene Ray s’intéresse aux multiples échos de l’amputation du pied d’une statue équestre de Juan de Oñate par un collectif une nuit de 1998 au Nouveau-Mexique. Cet acte iconoclaste faisait référence à la mutilation, 400 ans plus tôt, d’indigènes d’Acoma, par les conquistadors espagnols, dont faisait partie Oñate.

Dans un pays comme l’Espagne, où le souvenir de Christophe Colomb est régulièrement brandi comme ciment national et source de fierté, lorsque d’autres institutions comme la monarchie sont en déclin, les débats sur la démolition des statues de ce symbole des prémices de la colonisation suscitent une large désapprobation. Román Alonso analyse le mythe de la “découverte” de l’Amérique dans l’imaginaire espagnol et la place qui occupent les nombreux monuments dédiés au navigateur.

Cet essai provient de la transcription et de la réélaboration d’une séance de lecture collective proposée par Camilla Paolino au centre d’art Fri Art en février 2020 dans le cadre de l’exposition Dal momento in cui...., consacrée à Ketty La Rocca (La Spezia, 1938 – Florence, 1976). À partir d’un ensemble de textes poétiques en prose écrits par l’artiste italienne entre 1972 et 1974, Paolino aborde les concepts d'incommunicabilité, d'illisibilité, d'aliénation et de repli sur soi, qu’elle problématise du point de vue de plusieurs femmes actives dans la pratique de l’art et la production culturelle en Italie dans les années 1960 et 1970. La réflexion qui en découle relie l’expérience de La Rocca à celles de Carla Lonzi, Carla Accardi et des autres membres de Rivolta Femminile qui, à la même époque, endossant pleinement l’opacité de leurs postures radicales vis-à-vis de la culture et de la société, transformèrent leur position d’altérité en un terrain propice à la réalisation de leur subjectivation. La vision s’élargit alors et dérive vers l’étranger pour établir des liens spéculatifs avec les expériences de parias culturelles nord-américaines comme Valerie Solanas et Lee Lozano.

Dépeint en singulier absolu, à la fois solitaire et providentiel, l’auteur-compositeur-interprète et dessinateur américain, Daniel Johnston  (1961-2019) s’est souvent vu attribuer les qualificatifs de « naïf », « outsider », « brut » forgés par l’historiographie artistique. À partir de lectures tour à tour mondaines, hagiographiques, biographo-pathologiques qui ont été faites de la production de Daniel Johnston – et accompagné par ses chansons en fond sonore, Christophe Kihm explique en quoi le musicien incarne un certain mythe du génie autodidacte, à rebours des valeurs d’une pop music considérée comme inauthentique et commerciale. 

En évoquant une série de découvertes faites dans le cadre de ses recherches sur les apprentissages « informels » ou non « formatés », Hélène Bézille explore la construction socio-historique de la figure de l’autodidacte. Elle observe notamment comment cette figure double oscillant entre disqualification et reconnaissance, aliénation et émancipation, a gagné en légitimité à partir des années 1960 avec l’édification du self-made man et « l’artification » croissante de ce que l’on considère comme des singularités radicales.

Charlotte Laubard déplie ce qu’elle nomme « l’énigme autodidacte » dans ce podcast associé à un large corpus d’images. Protéiforme, cette énigme interroge les modes d’apprentissage et l’invention artistiques autant que les critères de légitimité qui régissent l’histoire de l’art. Elle propose notamment de mettre en parallèle la trajectoire d’artistes qui ont fait l’objet de différentes appellations telles que « brut », « outsider », « naïf » avec celle d’artistes des avant-gardes, qui, dans les années 1950, ont dû mettre en œuvre une forme de désapprentissage pour rompre avec la tradition, ou encore de créateurs venus de sphères et cadres d’apprentissage non-occidentaux.

Le lundi 22 mars s'est tenu l'édition 2021 du Master Symposium, un événement collectif d'une journée organisé par la filière Master en Arts Visuels de la HEAD (Work.Master, CCC, et TRANS). L'artiste Ayesha Hameed était invitée à définir le thème et à sélectionner les intervenants de cette édition.

Intitulé Uncanny Ocean, le Master Symposium s'est concentré sur un aspect spécifique de l’océan : le peu que nous en savons.

On dit qu’on en sait plus sur l'espace extra-atmosphérique que sur le fond de l’océan. Cette journée d'événements prend cette inconnaissabilité de l'océan comme un moyen de penser l'aquatique comme un matériau, un médium, pour en explorer le mystère et l’histoire, riche et complexe, composée de migration, de commerce, de prospection et de violence. Nous permettre de penser à ses profondeurs obscures, à d'autres créatures sous-marines et à la façon dont nous pourrions partir de l'océan pour penser aux sorts, au temps désarticulé, au voyage dans le temps, à la fiction visionnaire et à d'autres mondes possibles.

Cet article rassemble les enregistrements vidéo des conférences des intervenant·e·x·s : Stefan Helmreich, Jota Mombaça, RAQS Media Collective (Monica Narula, Jeebesh Bagchi et Shuddhabrata Sengupta), Mao Mallona, ​​Stefano Harney et Rajiv Mohabir.

Dans cet essai, Javier Fernández Contreras s'interroge sur les implications du tropisme diurne de la photographie architecturale. Malgré le développement, avec le postmodernisme, d'une pensée de l'architecture inspirée par les lieux de loisirs et de divertissement nocturnes que sont les casinos ou les boîtes de nuit, le mode de représentation de jour demeure le paradigme majoritaire dans les revues d'architecture. Lors d'un atelier en février 2020, le Département d'Architecture d'intérieur de la HEAD – Genève a invité Richard Levene à créer une « édition nocturne » de El Croquis. En montrant des bâtiments appropriés par la société, et non pas éternellement vides et vierges, les photographies des étudiant·e·s réalisées dans le cadre de cet atelier s'engagent dans l'idée de « post-occupation » introduite par Rem Koolhaas. La version originale de ce texte a été publiée dans la revue Plan Libre.

Si leur cours commun d’écriture créative s’est momentanément transformé en podcast pour cause d’enseignement à distance, Fabienne Radi et Carla Demierre prônent pourtant l’apprentissage par l’expérience. Expérience de la lecture, de l’écriture, de la réécriture, au-delà des clichés rebattus de la poésie telle qu’elle a été introduite à l’école primaire. Elles parlent ici de leurs méthodes et de la place particulière que l’écriture trouve dans une école d’art et de design.

En septembre 2009, la revue de littérature Remue.net – fondée par l’écrivain technophile François Bon – s’entretenait avec Hervé Laurent, le « Monsieur Texte » de la HEAD, au sujet de l’atelier d’écriture qu’il avait créé, en pionnier, dix ans plus tôt. Nous republions à l’occasion de ce dossier cette interview menée par Fabienne Swiatly qui expose les enjeux de la pratique de l’écriture dans une école d’art.

Cette sélection de travaux d’étudiant·e·s et d’alumni passé·e·s par les ateliers d’écriture créative de la HEAD témoigne de la vitalité et de la diversité des moyens de restitution du texte. À la variété des genres, allant de l’écriture de soi à la poésie en passant par le jeu, répond celle des formes et médiums : éditions, créations radiophoniques, gravure sur pâte à biscuit ou cartes postales sonores.

Fabienne Radi a publié deux ouvrages en 2020 : Émail diamant chez Art&fiction et Le déclin du professeur de tennis chez Sombres torrents. Sylvain Menétrey s’attarde sur ce dernier, un recueil de quatre nouvelles écrites à partir d’œuvres choisies par l’auteure dans le fonds d’art contemporain du Réseau documents d’artistes en France. Fabienne Radi y dissèque des Bountys et des catalogues d’accessoires pour bûcheron pour tenir la morale à distance.

Avec Autoradio, publié en 2019 aux éditions Héros-Limite et Qui est là ?, paru un an plus tard chez art&fiction, Carla Demierre décline en poésies concrètes et narrations polyphoniques des façons de voir par ses propres voix.

Ce nouvel épisode de la rubrique Voix de tête qui exhume des conférences notables qui se sont tenues à la HEAD – Genève dans un passé plus ou moins lointain redonne la parole à l'artiste Dora Garcia. Le 9 mai 2012, elle était l'invitée d'une Talking Head consacrée à son travail, qui se décline en textes, performances, installations multimédia, ou encore sous la forme de recherches. L'artiste qui a eu l'honneur d'être invitée dans les plus grandes manifestations européennes comme le Skulptur Projekte de Münster, la Documenta de Kassel ou la Biennale de Lyon revenait sur quelques projets majeurs qui font vaciller des instances comme le public ou l'auteur.

Dans son court-métrage À la recherche d’Aline, Rokhaya Marieme Balde s’intéresse à son arrière-grand-tante, une héroïne de la lutte anti-coloniale au Sénégal. Outre pour son engagement politique, Aline Sitoé Diatta était également réputée pour posséder le don de faire tomber la pluie. Le film de Balde combine reconstitutions oniriques, enquête documentaire sur le souvenir qu’a laissé la résistante et prophétesse en Casamance, et mise en abîme du tournage du film. Ces différents niveaux de récits tissent le portrait complexe d’un personnage entre mythe et réalité historique. La réalisatrice revient dans cette interview sur ce tournage et son parcours de jeune cinéaste diplômée du Bachelor Cinéma de la HEAD – Genève.

Pour son Bachelor en Communication visuelle, Annie a Marca s’est faite l’autrice d’un album aux illustrations stylisées, aux lumières inquiétantes et aux grandes ombres portées horrifiques. Cette variation sur le conte de Perrault du Petit Chaperon rouge est transposée dans un univers urbain contemporain. Le loup devient un emblème de la culture du harcèlement et du viol. Mais dans cette relecture, le chaperon ne se laisse pas manger tout cru. Dans cette interview, Annie a Marca revient sur les mécanismes qui imposent certaines peurs aux femmes, et sur la manière de les surmonter.

Au cours d’un atelier, des étudiant·e·s de bachelor de l’option Image/récit ont conçu des éditions intégralement produites par leurs soins qui devaient être présentées lors du salon P.A.G.E.S. Véritables albums de bandes dessinées, leporellos, fanzines ou projets collectifs, ces éditions ont permis aux étudiant·e·s de réfléchir à la manière de transmettre leurs dessins de manière efficace. Nous présentons deux travaux issus de cet atelier, signés respectivement par Dorodea Leone et Julietta Saccadi. Entre une série de microéditions – au sens littéral du terme – sur les déboires sentimentaux et une lutte fratricide croquée à la craie grasse au format livret, ces éditions allient poésie, originalité et économie de moyens.

Head to head est une série de portraits filmés d’enseignant·e·s, de chercheur·euse·s, d’artistes et de designers actif·ve·s à la HEAD – Genève. Ces rencontres sont l’occasion pour ces personnalités d’aborder leur parcours, souvent brillants, en-dehors de l’école. Pour cette nouvelle édition, Doreen Mende a répondu aux questions de l’éditeur d’Issue, Sylvain Menétrey.

Cette Talking Heads délocalisée en ligne donnait la parole à l’artiste et chercheuse Bahar Noorizadeh. Celle-ci réfléchit aux alternatives issues de l’art et de la recherche en art pour contrer la « machinomanie » qui gère notre avenir. Pour ce faire, elle expose et déconstruit l’économie politique d’internet, qui s’est calquée sur les théories des économistes libéraux classiques. Cette Talking Heads s’inscrit dans le cadre d’un semestre de conférences qui discutent des nouveaux modèles de création possibles et de leurs conséquences sur les systèmes de production et de valorisation de l’art et du design. À l’heure de l’intelligence artificielle et du machine learning, l’organisation du travail et les mécanismes de production se transforment et invitent à repenser la notion même du faire.

Les designers Demian Conrad et Alex Dujet ont co-organisé un workshop de typographie assistée par la technologie. L’objectif de cet atelier consistait à employer les synergies entre analogique et numérique dans la production de lettrages pour des impressions qui s’inscrivaient dans le champ de la poésie concrète. Il s’agissait d’une part de déterminer comment une composition faite avec un algorithme peut influencer la mise en page d’une composition manuelle; et, d’autre part, comment la composition typographique manuelle au plomb modifie la façon de coder du design graphique. Compte-rendu de ces expériences.

Pour son travail de Bachelor en Communication visuelle, Tristan Bartolini a développé un nouveau système de signes typographiques qui transcende la binarité des genres inscrite dans la langue. Le jeune typographe a redessiné des caractères d'une police existante, l'Akkurat de Laurenz Brunner, de manière à ce que certaines lettres s'imbriquent. Tout en restant lisibles, les terminaisons genrées des mots échappent à la dichotomie ou à la préséance d'un genre sur l'autre. Les mots affichent une fluidité qui s'étend entre les pôles féminins et masculins. Ce travail à la fois poétique et politique a été récompensé par le Prix Art et Humanité 2020 de la Croix-Rouge. Nayansaku Mufwankolo, assistantx au Programme master de recherche CCC s'est entretenux avec le designer sur les questions politiques et techniques liées à son projet.  

Ce troisième volet des souvenirs du Grand Tour est consacré au travail de Loana Gatti, diplômée du Programme master de recherche CCC. Dans son Master Thesis, intitulé « Exploring Alternatives: counterattack of a fallen leaf », Loana Gatti développe une réflexion sur des formes alternatives de pédagogie. Ses recherches sont informées par le potentiel transformateur d'expériences personnelles et collectives. Pour sa présentation de diplôme, elle a valorisé du matériel iconographique et documentaire collecté lors d'un semestre d'échange à Kyoto au Japon, où elle participait à la gestion d'un jardin en permaculture. Une expérience qui l'a amenée à réfléchir aux notions d'autonomie et de « care ».  

Suite de nos souvenirs du Grand Tour avec le travail de sculpture d’Henrique Loja, diplômé du Work.Master. Loja a présenté une série d’objets composés en partie avec des matériaux récupérés qui mêlent des microrécits à l’histoire géologique de la planète. Entre les ruines d’une civilisation naufragée et les indices d’un futur possible, ils s’inscrivent pleinement dans notre présent incertain.

Le 8 septembre 2020, le Département Arts Visuels organisait le Grand Tour, sa traditionnelle exposition de diplômes. Rien d'ordinaire pourtant cette année, puisque l'exposition habituellement organisée au début de l'été a été décalée à la rentrée suivante pour raisons sanitaires. Surtout les étudiant·e·s ont dû travailler dans un contexte chamboulé par la pandémie, qu'il s'agisse de leurs conditions de travail hors de l'école ou d'un imaginaire monopolisé par les échos d'un monde en détresse. À travers une série d'interviews de diplômé·e·s et d'images de leur œuvres présentées au Grand Tour, la rédaction d'ISSUE propose un panorama de ces jeunes pratiques artistiques en pleines turbulences.

Pour ce premier chapitre, Giulia Essyad, diplômée du Work.Master explique comment elle s'approprie des dispositifs et langages esthétiques dominants pour créer des images fortes, drôles et étonnantes. Ses productions ne cherchent pas seulement à lutter à armes égales contre les diktats de beauté, de couleur de peau ou de minceur qui envahissent nos inconscients, mais inventent aussi une spiritualité personnelle.

Historiquement, le domaine de la confection se situe souvent aux avant-postes des grands mouvements de rationalisation économiques. Il fut l’un des premiers à s’industrialiser au XIX^e siècle, puis à rechercher une main d’œuvre bon marché dans les pays asiatiques au cours de la seconde moitié du XX^e siècle. Outre les conséquences désastreuses sur le marché de l’emploi et la perte de savoir-faire en Occident, ainsi que le scandale des conditions de travail des ouvriers de la fast fashion en Asie, ces évolutions ont déterminé une césure complète entre les designers et leur outil de production. En piratant des machines à tricoter domestiques, afin de les rendre compatibles avec les besoins en matière d’expérimentation et de gestion des volumes des petites marques de mode, le projet de recherche KnitGeekResearch de Valentine Ebner tente de redonner aux designers un contrôle direct sur leurs moyens de productions. Dans cette interview, la designer et enseignante détaille les fondements de cette recherche entre ingénierie et design, explique le fonctionnement de ses deux prototypes, et donne un aperçu des nouvelles esthétiques que ces machines permettent d’explorer.

Dans cette conversation, Richard Levene, le co-fondateur du magazine d’architecture de référence El Croquis, revient sur la genèse de cette publication, lancée alors qu’il terminait ses études d'architecture en 1982. D’abord sous forme de journal en noir et blanc présentant des projets de professeurs d’architecture espagnols, El Croquis a peu à peu intégré la photographie, la couleur, l’anglais et le format monographique consacré à des signatures internationales de l’architecture qu’on lui connaît aujourd’hui. En discussion avec Javier Fernandez Contreras, responsable du Département Architecture d’intérieur à la HEAD et Sven Högger, assistant, Levene détaillent les choix spécifiques en terme de graphisme, de photographie et de curation qui ont fait d’El Croquis un magazine largement acclamé.

Chaque année, les mémoires de Master produits à la HEAD témoignent d’une grande richesse thématique, méthodologique et formelle. Comme le rappellent Lysianne Léchot Hirt et Anthony Masure, respectivement responsable de la coordination de l’enseignement et responsable de la recherche à la HEAD – Genève, ces travaux de fin d’étude s’inscrivent pourtant dans un cadre pédagogique clairement défini, qui consiste à permettre non seulement aux étudiant·e·s de contextualiser leur pratique, mais aussi de leur ouvrir les portes de la recherche, de l’enseignement ou encore de pratiques artistiques hybrides. La pertinence des hypothèses et la mise en place d’une méthodologie propre aux champs de l’art et du design constituent les critères majeurs de la réussite de l’exercice.

En collaboration avec le far° Nyon, un groupe d’étudiant·e·s de la HEAD – Genève a travaillé avec l’artiste Maria Lucia Cruz Correia. Lors d’un workshop transdisciplinaires pendant les Semaines de tous les possibles, ils ont développé un projet collectif qui verra le jour en août lors de la prochaine édition du far°, fabrique des arts vivants, du 13 au 22 août 2020 à Nyon. Les étudiant·e·s et l’artiste ont imaginé à cette occasion une école pour l’avenir qui développe un programme de réflexions et d’activités en lien avec les notions de survie et de rêves communs dans notre présent dystopique.

Le travail de recherche de Léa Genoud, réalisé en 2019 dans le cadre du CCC – Programme master de recherche, s’engage dans une réflexion sur la colonialité du musée, produit de l'histoire impérialiste occidentale, et plus particulièrement sur le format spécifique de l'exposition. Son approche face à cette question largement débattue aujourd'hui consiste à s'attaquer, à travers différentes perspectives théoriques et artistiques inspirés du champ postcolonial, décolonial et des Black Studies, au principe de non-questionnement de l'histoire hégémonique de cette institution et surtout à l'articulation de ses technologies du regard (gaze), de la photographie ethnographique à la performance contemporaine.

Laura Spozio propose une version remaniée de son mémoire de master en Arts visuels de 2019 pour cette parution en ligne. Les lecteur·trice·s ont le choix entre deux entrées qui ne sont pas pensées de manière linéaire. Un premier récit, à caractère littéraire, est composé à partir d’une collecte d’anecdotes issues de l’éthologie, des sciences humaines, de la philosophie, et des sciences de la communication. Un second, de type analytique, revient sur la qualité de certains chercheurs en éthologie cognitive, qui réside dans l’utilisation complémentaire de différentes méthodes d’observation et d’expérimentation. Par cette perspective en miroir, l’autrice cherche à réhabiliter le récit anecdotique dans les sciences et à adopter à partir d’eux un point de vue pragmatique pour comprendre les relations interespèces. Laura Spozio est également l’autrice de l’introduction.

Dans son mémoire de Master en Design Mode et accessoires, Tara Mabiala aborde la question de la durabilité dans la mode à travers une approche affective et politique. Au lieu de se concentrer sur une optimisation des modes de production et des matières premières, l'auteure s'intéresse à l'autre aspect de l'équation, celui de notre relation à nos vêtements. Partant de l'idée que la durabilité implique une notion de soin de notre environnement, mais aussi de nous-mêmes, elle s'engage dans une réflexion sur la notion de “self-care” qu'elle confronte à plusieurs cas d'études comme les tenues des activistes noires du mouvements des droits civiques ou celles des punks, considéré comme vêtements où la singularité rencontre le collectif. Sa recherche est ici présentée sous la forme d'une interview menée par Aude Fellay, responsable de la théorie au Département Mode, et un mood board qui rassemble les hypothèses du mémoire.

Head to head est une série de portraits filmés d’enseignant·e·s, de chercheur·euse·s, d’artistes et de designers actif·ve·s à la HEAD – Genève. Ces rencontres sont l’occasion pour ces personnalités d’aborder leur parcours, souvent brillants, en-dehors de l’école. Pour cette nouvelle édition, le responsable de la recherche Anthony Masure a rencontré Alexia Mathieu, la responsable du Master Media Design.

L’optimisme technologique qui marqua le XIX^ème et le développement de la théorie des miasmes à cette période créèrent ensemble un contexte propice à l’élaboration du Raising of Chicago, un colossal projet de sauvetage de la ville par son rehaussement. Jozef Eduard Masarik en propose une étude basée sur l’imaginaire et la cosmologie de l'époque, dont il passe les composantes en revue pour mieux envisager les intentions et aspirations qui menèrent à ce rehaussement de Chicago. Il ouvre ainsi la voie à une réflexion sur la rapport de la ville à la Terre, et inversement.

En 1935, pendant le colonialisme français au Maghreb, le réalisateur franco-britannique Edmond Thonger Gréville termine son film Princesse Tam Tam. Joséphine Baker y incarne le personnage d’Aouïna, une jeune femme tunisienne pauvre. Max de Mirecourt, un écrivain français, ennuyé par la vie parisienne qu’il partage avec sa femme Lucie, s’installe en Tunisie. Il rencontre Aouïna, et une relation ambiguë s’instaure entre les deux protagonistes. Max, dans le rôle du colonisateur, la choisit comme héroïne de son futur roman. Aouïna joue un double rôle : celui de colonisée et celui de princesse d’Afrique lointaine. Face à Face, le mémoire de Master en Espace et communication d'Amandine Lécuyer, est basé sur l’étude comparative des rythmes synchronisés et syncopés des danseuses de Princesse Tam Tam. Les danses révèlent une dimension politique incarnée dans les mouvements des danseuses synchronisées et d’Aouïna : de l’exploitation et de la représentation androcentrée du corps féminin au colonialisme et à la hiérarchisation. Le mémoire est introduit par une interview avec son autrice.

Ce mémoire de Master Media Design soutenu en 2020 est consacré à la question des formes en mouvement de la typographie arabe. Il offre une excellente entrée en matière sur ce sujet que François Harik aborde sous l’angle de la technologie, en montrant qu’il ne peut toutefois pas être dissocié d’enjeux politiques et culturels. La partie introductive ouvre sur un état de l’art très documenté qui montre que les sources de la typographie arabe dans l’écriture manuscrite, l’espace de référence fixé pour et dans les langues d’Europe occidentale, les procédés d’harmonisation et de standardisation des systèmes d’écriture constituent autant d’enjeux fondamentaux dans le contexte numérique. François Harik rappelle ensuite quelles pistes de réflexion et de recherche sur ces enjeux sont ouvertes actuellement par des designers : rupture avec les codes de la typographie afin d’utiliser à plein le potentiel graphique de la technologie ou recours à l’interprétation de lignes directrices de la calligraphie arabe à partir des sources par exemple. La préface du mémoire est rédigée par Daniel Sciboz, chargé de cours et tuteur en Media Design.

Caroline Bernard revient dans cette interview sur quelques expériences pratiques qu'elle a menées avec ses collègues chercheur·e·s dans le cadre du projet de recherche Design viral: méthodologies pour un buzz citoyen. D'une tentative d'héroïsation de soi, à la diffusion de rumeurs en passant par l'infiltration des réseaux sociaux et de la rue, le projet a employé les ressources du "design performé" dans des objectifs d'enrichissement du débat démocratique. Une gageure tant la viralité semble d'ordinaire le véhicule de propos manichéens et discriminatoires. Reflétant la pandémie actuelle, elle évoque aussi la parenté qui dépasse le simple vocabulaire entre virus biologique et viralité médiatique.

Comment continuer à pratiquer l'art quand vous n'avez plus accès à votre atelier? Comment garder le rythme des études quand tous les jours se ressemblent? Comment rester au contact d'étudiant·e·s, suisses et internationaux, disséminé·e·s dans leurs abris et pays respectifs, pendant une pandémie qui ravage le monde? Quelques jours après l'annonce de la fermeture des bâtiments de l'école en raison de la progression de la pandémie du Covid-19, l'option construction du Département Arts visuels de la HEAD – Genève a proposé à ses étudiant·e·s de créer un "journal des bords" qui cultive ces questions. Tous les jours depuis le 23 mars, un·e étudiant·e publie sur la page internet de l'option un texte et des images comme une chronique de son quotidien de naufragé isolé, une réflexion sur l'avenir, l'invention d'une réalité alternative, ou encore la poésie d'un monde en lambeaux. Nous publions ici une sélection de ces robinsoneries. L'ensemble des contributions et celles encore à venir sont accessibles à cette adresse. L'option construction prévoit de réunir toutes ces créations dans un livre qui paraîtra d'ici l'été 2020.

La tendance dominante des réseaux de neurones (deep learning) a-t-elle épuisé toutes les cultures des intelligences artificielles? Dans le champ de la création, et plus précisément du design, comment anticiper, voire faire dévier les usages des IA et leurs conséquences sociales? Des questions qu'Anthony Masure a posées à Jürg Lehni et Douglas Edric Stanley, les organisateur du workshop Thinking Machines au sein du Master Media Design de la HEAD – Genève.

La Responsable adjointe du Département Cinéma, Delphine Jeanneret, a réalisé un entretien avec la cinéaste brésilienne Petra Costa, invitée du festival Visions du Réel, qui se déroule en ligne du 17 avril au 2 mai 2020. Cinq films documentaires de la réalisatrice, dont The Edge of Democracy, qui a été nominé aux Oscars 2020, sont visibles sur les plateformes associées au festival pour cette édition particulière. Dans le cadre de cette rétrospective, la réalisatrice donne également une masterclass en ligne le jeudi 30 avril 2020 à 15h00, qui sera modérée par Delphine Jeanneret et Giona Nazzaro (Visions du Réel). Lors de cet entretien, Costa évoque plusieurs de ses films, et sa méthode particulière consistant à tisser des contenus personnels, des histoires familiales avec des considérations anthropologiques. Elle revient aussi sur la montée de l'extrême-droite au Brésil, dont son dernier film, consacré à la destitution de l'ancienne présidente Dilma Rousseff se faisait l'écho.

Dans ce long entretien avec Charlotte Laubard, l'anthropologue français Emmanuel Grimaud, spécialiste de l'Inde et de l'hindouisme, revient sur quelques-unes de ses fascinantes recherches et expérimentations cinématographiques qui portent sur les frontières intersubjectives de communication et de perception, par exemple avec des robots, des objets de culte ou des idoles. Méfiant face à l'émergence de la notion d'empathie dans les sciences cognitives, parce que celles-ci réduisent nos relations avec notre environnement au fonctionnement neuronal, il esquisse des modes de pensée plus inventifs, à rebours du dualisme classique sujet-objet et de notre tendance naturelle à la projection anthropomorphe. Il s'inspire notamment d'expériences chamaniques, d'objets chargés et des théories en psychologie expérimentale du XIXème siècle. Laubard recontextualise ces approches dans le champ de l'art, considéré comme un lieu d'expérience de l'altérité.

Le livre Almanach Ecart. Une archive collective conclut deux ans de recherches menées par Elisabeth Jobin et Yann Chateigné dans les archives du collectif genevois, actif de 1969 à 1982. Co-édité par la HEAD–Genève et art&fiction, en partenariat avec le Mamco, mis en page par Dan Solbach, ce projet éditorial collectif a obtenu la Lettre d'or, plus haute distinction du concours « Best Book Design from all over the World 2020 ». Pour célébrer cette reconnaissance exceptionnelle, nous publions un extrait de ce livre essentiel pour la compréhension de la pratique d'Ecart: un essai que Yann Chateigné a consacré à la performance Dream Piece (1976) de John Armleder. Il y est notamment question d'une coiffe d'indien, d'un canard à roulettes et d'un enregistreur à cassettes. Le texte se présente comme une méditation sur l'archive et son ascendance sur le futur.

Ce portrait de Marie Losier aborde deux pratiques complémentaires de l'enseignante du Département Cinéma de la HEAD–Genève. En compagnie de Lucien Monot, un de ses anciens étudiants, elle évoque ses films, portraits libres et intenses de personnalités hors normes, constamment sur le fil comme le lutteur de lucha libre gay Cassandro ou le musicien Genesis P-Orridge. En écho à cet entretien, Julie Enckell Julliard s'est intéressée à l’œuvre dessiné de Marie Losier, dans lequel elle retrouve le goût pour la marge de l'artiste, les contorsions d'une douleur de cohabiter avec des corps limités, mais aussi la joie d'exister et de créer.

Lors des traditionnelles semaines de workshops transversaux de début de second semestre à la HEAD, l'enseignante en Arts Visuels Vidya Gastaldon a invité l'artiste sonore Jonathan Frigeri à mettre sur pied un atelier de création radiophonique avec une vingtaine d'étudiant·e·s inscrit·e·s. Nous publions ici deux podcasts issus de cette semaine de workshop. Depuis son invention au début du XX^e, le médium de masse qu'est la radio a été réinvesti par des artistes, qui en ont fait leur médium de création. Un usage souvent critique, contre les tendances au commerce, au contrôle et au conformisme de la radio mainstream, et une exploration du potentiel poétique de ce médium expérimenté à distance. Dans son introduction, Jonathan Frigeri pose les bases d'un art radiophonique qui ne se limite pas à mélanger du son, de la musique et de la parole, mais prend aussi en considération le mode d'écoute et la fantasmagorie générée par ces voix sans visage transportées par les ondes ou les fibres optiques. Alternant silences, relaxation, bruit et chaos, poésies, lectures, sketches, parodies et musique, les créations des étudiant·e·s témoignent de la richesse expressive d'un médium que la diffusion sur internet a largement démocratisé ces dernières années.

Le projet de recherche interdisciplinaire « Body & Image in Arts & Sciences », auquel participe le chercheur Manos Tsarikis tente de mesurer de quelle manière les images nous affectent. S'il existe un lien établi entre image et comportement politique, quels sont les mécanismes formels et psychologiques qui le travaillent? Interviewé par l'artiste Lauren Huret, le chercheur Manos Tsarikis évoque comment des cadrages d'une photographie de presse peuvent déshumaniser des groupes ou comment différents sujets, selon leur âge et leurs compétences d'internet par exemple, réagissent aux images et jugent de leur véracité.

Chaque mois, Ambroise Tièche exhume une conférence notable qui s’est tenue à la HEAD – Genève dans un passé plus ou moins lointain. La plupart de ces captations n’ont jamais été rendues publiques. Le professeur en Arts visuels et artiste commente ses choix et explique l’intérêt de ces discours au sein des enjeux contemporains en art et en design. Pour ce nouveau chapitre, Tièche a sélectionné une conférence de l'historienne de l'art française Nathalie Boulouch. Invitée en 2009 à la HEAD – Genève, Boulouch partageait ses recherches sur l'irruption de la couleur en photographie, des résistances face à cette innovation et de la manière dont elle s'est finalement imposée.

La metteure en scène, Isis Fahmy et les designers, Laura Couto Rosado et Benoît Renaudin se sont associés pour évaluer, lors d’un projet de recherche, le concept d’objet performatif. Cette notion qu’ils ont inventée recouvre des objets qui sont des embrayeurs de narration, mais aussi et surtout des fictions, imaginées spécifiquement pour le cadre de l’action sur le plateau, et qui évoluent activement au même titre que les acteurs lors de la performance. Lors de cette recherche, un projet conjoint de la HEAD–Genève (HES-SO) et de la Manufacture de Lausanne, ils ont imaginé trois capsules pratiques pour explorer les points de convergence de la pratique du design et du théâtre et penser notre rapport à l'autre : machine, matière et plus encore aux autres vivants. Des interviews ont également été menées avec la designer allemande Judith Seng, ainsi que le metteur en scène français Halory Goerger. Cet article rend compte de ces moments variés de recherche en combinant divers formats: texte théorique, vidéo d’une expérience, design d’objets performatifs, photos commentées et interviews.

Jonas Voegeli était l'invité d'une conférence Talking Heads le 15 octobre 2019. Le directeur artistique zurichois y a présenté une série de livres qu'il a créé au sein du studio de graphisme Hubertus. Ces ouvrages, souvent récompensés par des prix, allient des principes de "good design" classiques – jamais plus de deux typographies par page, une grille stricte, etc. – et des concepts souvent radicaux d'organisation du contenu, qui fonctionnent comme des métaphores de la manière dont l'information a été produite ou rassemblée. Le studio Hubertus innove aussi techniquement en travaillant par exemple sur un "smart book" équipé de capteurs, dont les mots s'affichent quand le lecteur s'adresse à lui, tel un oracle.    

Le Master TRANS– de la HEAD–Genève se destine aux étudiant·e·s qui souhaitent s'engager dans des projets artistiques collaboratifs et socialement engagés ou dans la médiation culturelle. Ce Master a été fondé par microsillons, un duo composé de Marianne Guarino-Huet et d'Olivier Desvoignes. Ensemble il·elle·s évoquent leur parcours et leur rencontre dans ce portrait filmé. Tous deux intéressés par les pratiques collectives, il·elle·s ont consacré une recherche doctorale fondée sur la pratique qui réfléchissait aux pédagogies alternatives et à la manière dont le travail en commun avec des non-artistes peut transformer nos modèles culturels. Marianne et Olivier évoquent aussi l'entrée de la médiation culturelle dans le champ académique et le tournant éducationnel dans les pratiques curatoriales auquel ils ont participé durant leurs activités de médiateur·trice au Centre d'art contemporain de Genève entre 2008 et 2010.  

La question du dessin domine souvent les discours sur la bande dessinée. Jeff Délez, jeune diplômé de l'option Image/Récit, s'est lancé dans une expérimentation où les questions de découpages, à travers notamment des figures de répétitions ou d'ellipses, prennent une importance prépondérante. Nominé pour le Prix Töpffer de la jeune bande dessinée 2019 avec son album de diplôme (non publié) Quelques bribes éparpillées par-ci, par-là, Délez évoque avec Florence Marguerat les spécificités de son récit, de même que ses influences et ses premiers pas dans le neuvième art.

Dans ce texte introductif, Christophe Kihm (HEAD – Genève, HES-SO) s'intéresse aux logiques formelles du défilé. D'un terrain exigu entre deux pans de montagne qu'on est contraint de traverser en file, le défilé est devenu par métonymie l'action même de ce passage. De là, le défilé relève plus du temps que de l'espace. Mais par la construction d'une image de ce temps, selon un rythme propre, le défilé produit aussi son espace.

Les récentes mobilisations pour le climat ont fait vaciller les Fashion Weeks. Celle de Stockholm a été annulée, et celle de Londres symboliquement enterrée par les activistes d’Extinction Rebellion. Pour le défilé, l’heure est donc à la remise en question. À travers quatre entretiens avec les designers de mode Faustine Steinmetz, Emilie Meldem, Cosima Gadient (Ottolinger), ainsi que l'artiste Marlie Mul, Aude Fellay revient sur les principales critiques, mais aussi sur les indéniables avantages, de ce format performatif, qui concentre et consomme beaucoup d'énergies. Avec ses interlocutrices, elle évoque le pouvoir de synthèse créative du défilé et spécule sur l'avenir de ce mode de présentation.

Invité par le Département Mode à évoquer le défilé, l'artiste et professeur d'Arts Visuels Ambroise Tièche imagine une discussion qui dérive d'un fil à l'autre au long du parcours d'un bus TPG.

Pour la première fois, le Département Architecture d'intérieur a été mandaté pour concevoir la scénographie du défilé des collections de diplômes en Design Mode qui se tient le 8 novembre 2019 à la salle du Cube du Campus de l'école à Châtelaine. Plusieurs étudiant·e·s ont proposé des projets. Au final, et après un concours en plusieurs étapes, c'est le projet Poésie de l'étudiant Paulo Jorge Dias qui a été retenu. Le responsable de l'atelier, Leonid Slonimskiy, commente une sélection des travaux d'étudiant·e·s pour cette scénographie et les enjeux d'espace, de narration et d'image liés à un défilé à l'ère des appareils photos et caméras omniprésents.

Dans cet entretien réalisé en marge d’une Master Class autour de l’imprimé qu’il a dirigée à la HEAD – Genève, Alex Mullins évoque son rapport obsessionnel aux idées. Le designer de mode londonien se laisse porter par des images fortes, qui circulent de l’écran au corps et alternativement. Ses vêtements se distinguent par des séries de polarités : sartorialisme et streetwear, chocs chromatiques, créativité et rationalité. Son approche du design et de l’image est fortement marquée par la culture internet, avec ses mèmes, ses réseaux sociaux, son répertoire infini d’influences, son aplatissement des hiérarchies et des temporalités. Autant que ses collections, son compte Instagram, où l’on voit des photos de ses défilés, des essayages ou de sa vie privée, témoigne de ces boucles qui se nourrissent mutuellement. Dans cet entretien, le designer parle aussi ici de ses collaborations avec les mannequins et les stylistes et de l’abnégation nécessaire pour faire exister une marque de mode indépendante. Ce diplômé de la Central Saint Martin’s School et du Royal College de Londres, a travaillé auprès des designers Alexander McQueen, Jeremy Scott et Kanye West avant de fonder sa marque en 2013 avec le soutien du British Fashion Council[note]Le British Fashion Council est une organisation à but non lucratif qui exploite le pouvoir collectif de l'industrie pour permettre une croissance durable et renforcer la mode britannique dans l'économie mondiale de la mode. Wikipedia. Dernière mise à jour le 9 avril 2019, à 13h16.[/note]. Les collections Alex Mullins sont aujourd’hui en vente dans quatorze boutiques entre l’Australie, le Japon, la Chine et les États-Unis.

Nous relayons ici la publication de Lysianne Léchot-Hirt et Nicolas Nova qui ont co-signé un article scientifique dans la revue Techniques et Culture. Leur article décrit comment les démarches de « recherche-création » mises en œuvre par les designers peuvent constituer une forme de technographie singulière et fertile pour l’anthropologie.      

Chaque mois, Ambroise Tièche exhume une conférence notable qui s’est tenue à la HEAD – Genève dans un passé plus ou moins lointain. La plupart de ces captations n’ont jamais été rendues publiques. Le professeur en Arts visuels et artiste commente ses choix et explique l’intérêt de ces discours au sein des enjeux contemporains en art et en design. Pour ce nouveau chapitre, il rend hommage au dessinateur et artiste Tomi Ungerer, décédé en février 2019, dont l'immense carrière en prise avec l'actualité et la société de son époque a embrassé quantité de genres, de styles et de sujets différents. Thérèse Willer, la conservatrice du Musée Tomi Ungerer à Strasbourg, lui donne la réplique lors de cette Talking Heads de 2015.

L'artiste Denise Bertschi travaille sur la notion de "neutralité suisse". Elle explore différents lieux du monde, où la Suisse comme nation, ou à travers ses ressortissants, a joué un rôle historique actif. Elle décrit comme des "preuves douces" (soft evidence), les traces qu'elle décèle, puis qu'elle met en scène et fait dialoguer avec d'autres images et récits dans ses travaux vidéos, photographiques et graphiques. Son travail révèle l'esprit d'un lieu, d'une époque, et met en image  l'ambiguïté de cette notion abstraite et intenable de neutralité qui sert de paravent aux activités internationales de la Suisse. Dans cette conversation avec la curatrice Giulia Bini, l'artiste revient sur sa méthodologie de travail ainsi que sur sa manière de combiner des récits et d'exploiter les indices visuels tirés de ses recherches sur site. Denise Bertschi travaille actuellement à une thèse de doctorat en art (HEAD-EPFL) sous la direction de Doreen Mende et Nicolas Braghieri.

À travers ce portrait en forme d'entretien, Julie Enckell Julliard cherche à saisir l'originalité et la radicalité de la pensée d'Alexandra Midal, qui élargit le champ de la théorie du design en traitant des sujets aussi peu communs que les liens entre Révolution industrielle et apparition du premier tueur en série à Chicago. Cette ancienne directrice d'un fonds régional d'art contemporain (FRAC) en France, s'est passionnée pour le design et les enjeux sociaux qu'il révèle à l'occasion d'une thèse à Princeton. Ses cas d'étude souvent tirés de la pop culture sont autant de choix stratégiques pour défaire certaines hiérarchies autoritaires propres à la théorie du design. La professeure du Master en Espace et Communication fouille dans les failles de l'histoire, reconsidère les récits fondateurs tout en s'interrogeant sur l'inflation contemporaine de design, discipline conquérante qui s'arroge sans cesse de nouveaux champs d'expertise.  

Le post-modernisme appelé par Gene Ray (HEAD – Genève, HES-SO) est celui d'un complet dépassement de la modernité capitaliste et de ses catastrophes. À partir d'une lecture des Thèses sur l'histoire et du Trauerspiel de Walter Benjamin, l'auteur invoque l'allégorie comme mode opératoire susceptible de sauver des reliques de combats perdus pour inspirer de futures luttes. L'art, pensé comme un savoir qui fait appel aux sens et non pas uniquement à la raison, doit collecter ces bribes pour ne pas les laisser comme seuls trophées d'une classe dirigeante qui poursuit un progrès moderne dont l'auteur voit les conséquences dans l'Apocalypse qui a frappé les peuples indigènes d'Amérique, ou le ravage écologique. Ces réflexions tranchantes suivent l'achèvement du projet de recherche collectif HEAD-FNS de l'Atlas de l'anthropocène à Genève (TAAG) auquel Gene Ray a participé. TAAG replaçait notamment la petite Genève "verte" dans l'enchevêtrement des perturbations planétaires de l'Anthropocène à travers des films, documents, interviews réalisés par des artistes-chercheurs.

Source de vie ou "bras armé" des politiques migratoires, objet de contemplation des peintres et de craintes des insulaires, élément statique ou furieux, métaphore trompeuse des échanges marchands et du digital, l'eau circule entre poïetique, poétique et politique. Dans ce podcast, l'artiste Aurélien Gamboni, l'écrivain Daniel de Roulet et l'historien d'art et directeur de la HEAD Jean-Pierre Greff discutent à partir de leurs positions variées de l'ambivalence de l'élément liquide.

Dans cette conférence et conversation introductive du symposium Double-bound Possession, Anselm Franke explore les interconnections systémiques entre les différentes formes, symboliques et matérielles, de possession et de dépossession. Il réfléchit également aux répercussions de cette boucle paradoxale sur notre lecture de l’histoire du sujet moderne et à la façon dont notre compréhension de la spiritualité en est affectée. À sa suite, Avery Gordon trace un historique des formes de dépossession qui ont marqué l'émergence du capitalisme à la fin de la période féodale à travers ce que Marx a décrit comme l'accumulation primitive par la colonisation et le mouvement des enclosures en Grande-Bretagne. Elle décrit comment la pratique de la magie, le vagabondage, et d'autres formes de vie jugées marginales ont fonctionné comme des formes de résistance à ces phénomènes d'expropriation.

Et si l'abolition de l'esclavage avait laissé la place à des formes de servitudes plus sophistiquées? Est-il possible de détacher la notion de liberté de l'histoire de propriété qui l'assurait? Ces questions traversent la réflexion de Kodwo Eshun qui, s'appuyant sur les travaux de Saidiya Hartman, ébranle certains concepts libéraux tels que l'individualité et la liberté, comme valeurs fondamentales de l'oppression, tout en faisant une lecture du thriller Get Out, où les privilèges de race occupent le devant de la scène.

L'artiste Kader Attia témoigne des circonstances familiales qui l'ont mené à produire l'installation vidéo Reason's Oxymorons (2015) qui s'intéresse aux rapports entre psychopathologies et croyances. À travers l'histoire de sa sœur épileptique, dont les crises se sont arrêtées, après qu'elle a passé plusieurs mois auprès d'une grand-mère qui pratiquait le chamanisme en Algérie, il s'interroge sur les paradoxes de ce que le groupe social d'appartenance de la fillette considérait comme une possession.